Gustav Klimt : Le fils du graveur sur or, Ravenne 1903, « Va chercher Emilie » et La femme en or à 135 millions de dollars

Dernière mise à jour : Mai 2026 · Par Stanislav Arnautov · Berlin

Gustav Klimt (14 juillet 1862 – 6 février 1918) est l'artiste le plus dominant commercialement et le plus emblématique romantiquement de la Sécession viennoise et du mouvement Art Nouveau. Ses peintures de la Période dorée — Le Baiser, le Portrait d'Adele Bloch-Bauer I, Judith I, l'Arbre de Vie — comptent parmi les images les plus reproduites au monde. Pourtant, la réalité biographique derrière l'or est bien plus étrange et spécifique que le romantisme superficiel ne le suggère : le fils d'un graveur d'or qui utilisait de véritables feuilles d'or ; un homme qui a eu au moins 14 enfants de diverses modèles et ne s'est jamais marié, mais qui a vécu avec sa mère jusqu'à sa mort et dont la compagne de 27 ans n'a reçu que ses derniers mots ; un artiste dont l'œuvre a été condamnée comme pornographique par l'établissement autrichien et dont le chef-d'œuvre a été volé par les nazis et récupéré après une bataille juridique de dix ans. Au Belvédère, Vienne (Le Baiser, Judith I). DeckArts Berlin à partir d'environ 140 $.

Jeunesse : le fils du graveur d'or

Gustav Klimt est né le 14 juillet 1862 à Baumgarten, près de Vienne, le deuxième de sept enfants. Son père, Ernst Klimt l'Ancien, était un graveur et orfèvre qui avait émigré de Bohême ; sa mère, Anna Klimt, avait l'ambition inassouvie de devenir musicienne. La famille était pauvre ; l'instabilité économique de Vienne à la fin du XIXe siècle signifiait que la famille Klimt était souvent en difficulté financière, en particulier pendant le krach économique de 1873.

La signification biographique spécifique de la profession du père : Gustav Klimt a grandi dans un foyer engagé dans la gravure d'or et l'orfèvrerie — le travail précis et habile de l'or et des métaux précieux en objets décoratifs et fonctionnels. Cette exposition enfantine aux qualités matérielles de l'or — son comportement de surface spécifique, ses propriétés réfléchissantes, son application en feuilles et en ornement gravé — est la source biographique la plus directe de la Période dorée qui allait définir l'œuvre mature de Klimt. Le fils du graveur d'or a grandi pour appliquer de véritables feuilles d'or sur toile dans la même tradition matérielle que son père pratiquait sur des objets métalliques. La formation matérielle dans l'atelier de l'orfèvre est le même schéma biographique qui a façonné Dürer (également fils d'orfèvre) et qui a donné aux deux artistes leur attention spécifique aux détails précis de surface et ornementaux.

Klimt est entré à l'École des arts appliqués de Vienne (Kunstgewerbeschule) en 1876, à l'âge de 14 ans, où il s'est formé comme peintre décorateur architectural. Avec son frère Ernst Klimt le Jeune et leur collègue Franz Matsch, il a formé la « Compagnie des artistes » (Künstler-Compagnie) et a reçu des commandes pour la peinture décorative de bâtiments publics — théâtres, musées et les grands bâtiments de la Ringstrasse, le grand boulevard de la Vienne impériale. Les premières œuvres du jeune Klimt durant cette période étaient conventionnelles, académiques et très réussies : il a reçu l'Ordre du Mérite en or de l'empereur François-Joseph en 1888 pour son travail sur le Burgtheater. Il était, dans la vingtaine, un peintre décorateur d'établissement prospère.

La Sécession viennoise : « À chaque âge son art »

En 1897, Klimt a mené un groupe d'artistes à faire sécession de la conservatrice Künstlerhaus de Vienne (l'association officielle des artistes) pour former la Sécession viennoise (Wiener Secession), dont il est devenu le premier président. Le programme de la Sécession : rompre avec le conservatisme académique de la Künstlerhaus, amener l'art moderne international à Vienne, abolir la hiérarchie entre les arts « beaux » et « appliqués », et créer une œuvre d'art totale (Gesamtkunstwerk) intégrant peinture, design, architecture et artisanat.

Le bâtiment de la Sécession (conçu par Joseph Maria Olbrich, achevé en 1898) portait l'inscription au-dessus de son entrée : « Der Zeit ihre Kunst. Der Kunst ihre Freiheit » — « À chaque âge son art. À l'art sa liberté. » Cette devise est l'énoncé le plus spécifique du programme de la Sécession : chaque période historique doit développer son propre langage artistique plutôt que d'imiter le passé, et l'art doit être libre des contraintes de la convention académique et du goût officiel. La réalisation collective la plus célèbre de la Sécession : l'Exposition Beethoven de 1902, pour laquelle Klimt a créé la Frise Beethoven — une frise peinte monumentale sur le thème de la Neuvième Symphonie de Beethoven et de l'aspiration au bonheur, qui est maintenant installée en permanence dans le bâtiment de la Sécession.

Le leadership de Klimt à la Sécession l'a établi comme la figure centrale du modernisme viennois au tournant du siècle — le pendant artistique des réalisations viennoises simultanées de Freud (psychanalyse), Mahler (musique), Schnitzler et Hofmannsthal (littérature), et du cercle philosophique qui allait produire Wittgenstein. La Vienne de Klimt était le creuset culturel spécifique de la fin de siècle européenne. Voir : Décoration Art Nouveau 2026.

Ravenne 1903 : l'or byzantin qui a tout changé

En 1903, Klimt a voyagé deux fois à Ravenne, en Italie, où il a vu les mosaïques paléochrétiennes et byzantines des Ve et VIe siècles — en particulier les mosaïques de la Basilique de San Vitale, y compris les célèbres mosaïques de l'Empereur Justinien et de l'Impératrice Théodora avec leurs fonds dorés. La technique byzantine de la mosaïque à fond doré — figures se détachant sur un champ plat, chatoyant et non spatial de tesselles d'or — fut une révélation qui transforma le programme visuel de Klimt.

L'influence spécifique des mosaïques de Ravenne : le fond doré byzantin n'est pas une représentation naturaliste de l'espace ou de la lumière ; c'est un champ plat, transcendant, d'un autre monde, qui retire les figures de l'espace terrestre et les place dans un royaume intemporel, sacré et décoratif. Le fond doré signifie la divinité, l'éternité et le transcendant — c'est le langage visuel du sacré dans la tradition byzantine. Klimt a adopté cette technique de fond doré pour ses propres sujets séculiers : les amants enlacés du Baiser, le portrait d'Adele Bloch-Bauer, la femme fatale de Judith I sont tous placés sur des fonds dorés plats qui les retirent de l'espace naturaliste et les placent dans le même royaume intemporel, transcendant et décoratif que les empereurs et impératrices byzantins. Klimt a sécularisé l'or sacré byzantin — appliquant le langage visuel de l'éternité divine à l'amour romantique, à la beauté féminine et au portrait bourgeois.

Le parallèle spécifique : Le Caravage a également visité Ravenne (en 1603, exactement 300 ans avant Klimt) et a été influencé par la tradition du fond doré. Les deux artistes — le ténébriste baroque et le décorateur Art Nouveau — ont fait le pèlerinage de Ravenne et ont ramené l'or byzantin dans leur propre travail. Voir : Caravage : Le programme de l'or de Ravenne.

La Période dorée : feuille d'or 23,75 carats

La Période dorée de Klimt (environ 1899-1910, la période la plus concentrée étant environ 1903-1909, immédiatement après les visites à Ravenne) est la période de son œuvre la plus célébrée, caractérisée par l'utilisation extensive de véritables feuilles d'or appliquées directement sur la toile. L'or utilisé était de la feuille d'or de haute pureté — Le Baiser utilisait spécifiquement de la feuille d'or de 23,75 carats (l'or pur est de 24 carats ; 23,75 carats est de l'or avec un minuscule ajout d'autres métaux pour la malléabilité, la feuille d'or de haute pureté standard utilisée pour la meilleure dorure).

L'application technique : Klimt appliquait la feuille d'or de la même manière que la tradition de la gravure et de la dorure à l'or pratiquée par son père — la feuille d'or est posée sur un apprêt adhésif préparé (assiette à dorer) et brunie ou laissée mate selon l'effet de surface désiré. L'or dans les peintures de la Période dorée de Klimt n'est pas de l'or peint (pigment ocre-jaune simulant l'or) mais de la véritable feuille d'or métallique, qui a la propriété optique spécifique de réfléchir la lumière différemment de tout pigment : elle scintille, elle change d'apparence au fur et à mesure que le spectateur se déplace, elle capte et projette la lumière d'une manière qu'aucune simulation peinte ne peut atteindre. C'est la raison spécifique pour laquelle les reproductions des peintures dorées de Klimt ne parviennent jamais à capturer pleinement l'original : une photographie ou une impression reproduit l'or comme une couleur ocre-jaune, mais l'or de l'original est une surface métallique réfléchissante qui se comporte optiquement comme du métal, et non comme une couleur.

Les œuvres majeures de la Période Dorée : le Portrait d'Adele Bloch-Bauer I (1907, la « Femme en or ») ; Le Baiser (1907-1908) ; Judith I (1901) ; la Frise Beethoven (1902) ; et la Frise Stoclet (1905-1911, pour le Palais Stoclet à Bruxelles, y compris l'Arbre de Vie). Ce sont les œuvres les plus reproduites et les plus dominantes commercialement de tout le mouvement Art Nouveau. DeckArts reproduit Le Baiser, l'Arbre de Vie (de la Frise Stoclet), Judith I, et le Portrait ultérieur d'Adele Bloch-Bauer II. Voir : Klimt : Le guide complet du Baiser.

Le Baiser : l'image romantique la plus reproduite

Le Baiser (Der Kuss, 1907-1908, 180 × 180 cm, Belvédère Vienne) est l'image romantique la plus reproduite au monde et l'accomplissement suprême de la Période dorée de Klimt. Il représente un couple s'embrassant au bord d'une prairie parsemée de fleurs qui se termine abruptement par un précipice ; l'homme, couronné de lierre, se penche pour embrasser la joue de la femme agenouillée, dont le visage est tourné vers le haut pour recevoir le baiser, les yeux clos. Les deux figures sont enveloppées dans une seule robe dorée ornementée qui les fusionne en une seule forme ; la partie de l'homme est décorée de motifs rectangulaires noirs et blancs, celle de la femme de motifs floraux circulaires — le codage ornemental genré spécifique qui traverse toute l'œuvre de Klimt.

La qualité spécifique qui fait du Baiser l'image romantique canonique : la fusion des deux figures en une seule forme dorée au bord du monde, les yeux clos de la femme et son visage tourné vers le haut, le précipice qui suggère à la fois le danger et la transcendance de l'union romantique. Ce n'est pas une représentation naturaliste d'un baiser ; c'est une allégorie de la fusion romantique — deux individus ne faisant qu'un, retirés de l'espace terrestre dans le royaume doré intemporel, au bord du monde. Le Belvédère a acquis Le Baiser en 1908, directement de l'exposition où il fut présenté pour la première fois, avant même qu'il ne soit achevé — l'État autrichien l'a immédiatement acheté, reconnaissant son importance. Il se trouve au Belvédère depuis lors et est l'œuvre la plus célèbre du musée. Voir : Le Baiser : Guide complet. Voir Le Baiser chez DeckArts →

Emilie Flöge : 27 ans, « Cherchez Emilie »

La relation la plus spécifique et la plus romantique dans la biographie de Klimt fut celle qu'il entretint avec Emilie Flöge (1874-1952), sa compagne pendant environ 27 ans. Emilie était la sœur de la belle-sœur de Klimt (le frère de Klimt, Ernst, avait épousé la sœur d'Emilie, Helene). Après la mort prématurée d'Ernst Klimt en 1892, Gustav devint le tuteur de la fille d'Ernst et Helene, et sa connexion avec la famille Flöge s'intensifia.

La nature spécifique de la relation Klimt-Flöge est débattue et n'a jamais été formellement documentée : ils ont été des compagnons toute leur vie, mais il n'est pas établi si la relation était romantique, sexuelle, platonique, ou une combinaison des trois. Klimt a eu au moins 14 enfants de diverses modèles et femmes (il était un coureur de jupons notoire ; son atelier était rempli de modèles avec lesquelles il avait des relations sexuelles, et des actions en paternité ont été intentées contre lui) ; mais Emilie Flöge a occupé une position unique et centrale dans sa vie, entièrement différente de ses relations avec ses modèles. Elle était sa compagne intellectuelle et émotionnelle, sa partenaire de vacances d'été (ils passèrent chaque été ensemble à l'Attersee dans les Alpes autrichiennes, où Klimt peignait ses paysages et photographiait Emilie dans les robes réformées qu'elle dessinait), et la femme à laquelle il écrivit des centaines de cartes postales et de lettres.

Emilie avait une vie professionnelle indépendante : elle a co-fondé et dirigé le salon de mode Schwestern Flöge (Sœurs Flöge) à Vienne, l'une des maisons de couture les plus en vogue de la ville, et a conçu les "robes de réforme" avant-gardistes (vêtements amples, sans corset, qui étaient l'équivalent viennois du mouvement de réforme vestimentaire artistique). Elle était une femme d'affaires et designer à succès, pas seulement la compagne de Klimt.

Klimt a eu un accident vasculaire cérébral le 11 janvier 1918. Selon le récit devenu central de la légende Klimt-Flöge, ses premiers mots après l'AVC furent « Holt die Emilie » — « Cherchez Emilie ». Il est décédé le 6 février 1918. Emilie lui a survécu 34 ans, mourant en 1952. Après sa mort, elle aurait brûlé une grande quantité de ses lettres et papiers personnels — l'acte spécifique qui a rendu la véritable nature de leur relation de 27 ans à jamais inconnaissable. Elle a préservé sa mémoire et son héritage mais a détruit le témoignage documentaire de leur lien privé. Le peintre romantique le plus célèbre de l'histoire occidentale est mort en l'appelant, et elle a brûlé les preuves de ce qu'ils étaient l'un pour l'autre. Voir : Art mural pour couples 2026.

Adele Bloch-Bauer : le portrait à 135 millions de dollars et le vol nazi

Le Portrait d'Adele Bloch-Bauer I (1907, la « Femme en or ») est l'accomplissement suprême du portrait doré de Klimt et le sujet de l'une des plus célèbres affaires de restitution d'œuvres d'art de l'histoire. Adele Bloch-Bauer (1881–1925) était l'épouse du riche industriel juif Ferdinand Bloch-Bauer ; elle était une hôtesse de la société viennoise et la seule personne que Klimt ait peinte deux fois (le Portrait I doré de 1907 et le Portrait II en champ de couleur de 1912 — ce dernier reproduit par DeckArts). Adele est décédée d'une méningite en 1925, à l'âge de 43 ans ; dans son testament, elle avait exprimé le souhait que son mari fasse don des peintures de Klimt à la galerie d'État autrichienne après sa mort.

Le vol nazi : après l'Anschluss (l'annexion allemande de l'Autriche en 1938), Ferdinand Bloch-Bauer, en tant que Juif, fut contraint de fuir l'Autriche ; ses biens, y compris les peintures de Klimt, furent saisis par les nazis. Le Portrait d'Adele Bloch-Bauer I fut pris par le régime nazi et, après la guerre, fut conservé par la galerie d'État autrichienne (le Belvédère), qui l'exposa comme un trésor national — la « Femme en or » — pendant des décennies, sur la base contestée du testament d'Adele.

La restitution : Maria Altmann, la nièce d'Adele Bloch-Bauer (nièce par mariage de Ferdinand), qui avait fui aux États-Unis, a mené une bataille juridique de dix ans (à partir d'environ 1998) pour récupérer les peintures, arguant que le testament d'Adele ne constituait pas un legs légal (Adele ne possédait pas les peintures ; son mari les possédait) et que les peintures avaient été volées par les nazis. L'affaire a été portée devant la Cour suprême des États-Unis (République d'Autriche c. Altmann, 2004) et a finalement été résolue par un panel d'arbitrage autrichien en 2006, qui a statué en faveur d'Altmann. Les cinq peintures de Klimt ont été rendues à Maria Altmann, qui avait 89 ans au moment de la restitution. Le Portrait d'Adele Bloch-Bauer I a été vendu en 2006 à Ronald Lauder pour la Neue Galerie de New York pour 135 millions de dollars — à l'époque, le prix le plus élevé jamais payé pour une peinture. L'histoire a été dramatisée dans le film de 2015 La Femme au tableau (Helen Mirren dans le rôle de Maria Altmann). Voir : Klimt : Guide complet d'Adele Bloch-Bauer. Voir Adele II chez DeckArts →

Scandale : les peintures universitaires et la censure

Le scandale le plus spécifique de la carrière de Klimt : les peintures des plafonds de l'Université de Vienne (les « Peintures des facultés »). En 1894, Klimt fut commandé de peindre trois grandes peintures de plafond pour la Grande Salle de l'Université de Vienne, représentant les facultés de Philosophie, de Médecine et de Jurisprudence. On attendait une allégorie académique conventionnelle célébrant le triomphe de la raison, de la science et du droit.

Ce que Klimt a produit (entre 1900 et 1907 environ) était l'opposé : des allégories sombres, ambiguës, sexuellement explicites et pessimistes qui dépeignaient la philosophie, la médecine et le droit non pas comme des réalisations rationnelles triomphantes, mais comme des forces accablantes, irrationnelles, mortelles et érotiques. Les peintures représentaient des figures nues, des images sexuelles, la souffrance et la mort d'une manière qui a scandalisé l'establishment universitaire et politique autrichien conservateur. La peinture de la Philosophie a été attaquée par 87 professeurs de l'Université, qui ont fait pétition contre elle ; les peintures ont été condamnées comme pornographiques et comme un affront à la dignité des institutions qu'elles étaient censées célébrer.

Klimt, furieux du rejet, s'est retiré de la commande, a rendu ses honoraires (avec l'aide financière de son mécène August Lederer) et a conservé les peintures. La coda tragique spécifique : les trois peintures de la Faculté, qui figuraient parmi les œuvres les plus ambitieuses et les plus personnellement significatives de Klimt, ont été détruites en 1945 lorsque les forces SS en retraite ont incendié le Schloss Immendorf, le château où elles avaient été entreposées en lieu sûr pendant la guerre. Les peintures universitaires ne subsistent que sous forme de photographies en noir et blanc et d'études préparatoires. Les œuvres les plus scandaleuses et les plus ambitieuses de la carrière de Klimt ont été brûlées par les SS dans les derniers jours de la guerre.

Décès en 1918 : l'année de la fin de Vienne

Klimt a subi un accident vasculaire cérébral le 11 janvier 1918, qui l'a laissé partiellement paralysé. Il a ensuite été affaibli et a contracté une pneumonie (dans le contexte de la pandémie de grippe de 1918 qui commençait à déferler sur l'Europe). Il est décédé le 6 février 1918 à Vienne, à l'âge de 55 ans.

Le moment historique spécifique du décès de Klimt : 1918 fut l'année où le monde de la Vienne impériale prit fin. L'Empire austro-hongrois s'effondra à la fin de la Première Guerre mondiale en novembre 1918 ; la Vienne qui avait été la capitale culturelle de l'Europe centrale, la Vienne de Klimt, Freud, Mahler et de la fin de siècle, cessa d'exister en tant que centre impérial. Klimt est mort au début de l'année où l'empire s'est éteint. Deux autres figures majeures du modernisme viennois sont décédées la même année, en 1918 : l'architecte Otto Wagner et le peintre Egon Schiele (le protégé de Klimt, décédé de la pandémie de grippe à l'âge de 28 ans, trois jours après sa femme enceinte). L'année 1918 a vu la mort de la Vienne impériale et la mort de trois de ses plus grandes figures artistiques. Klimt a laissé de nombreuses œuvres inachevées dans son atelier à sa mort. Voir : Klimt : Le Baiser, guide complet.

Klimt pour la décoration intérieure

L'œuvre de Klimt dans la gamme DeckArts — Le Baiser, l'Arbre de Vie, Judith I, et le Portrait d'Adèle Bloch-Bauer II — est l'art classique le plus spécifiquement adapté en or et marine de la gamme, et le plus romantique et décorativement beau. Le programme spécifique de décoration intérieure pour l'œuvre en or de Klimt :

Sur fond marine (l'installation canonique de Klimt) : L'or de la phase dorée de Klimt ressort d'un fond marine sombre avec un contraste chaud-froid maximal, reproduisant la condition optique spécifique de la tradition byzantine du fond doré : des figures dorées qui émergent d'un fond sombre, intemporel et non-spatial. Le Baiser sur fond marine au-dessus du lit de la chambre ; l'Arbre de Vie sur fond marine au-dessus du canapé principal ; Judith I sur fond marine ou vert forêt. Le marine fournit le fond sombre et transcendant d'où émerge l'or de Klimt — la même condition que les mosaïques de Ravenne à la lumière des bougies qui ont inspiré tout le programme. Voir : Décoration murale de chambre bleu marine 2026.

Sous LED chaude 2700K (obligatoire) : La lumière dirigée chaude active l'or de Klimt au maximum de sa réflectance — la lumière chaude de 2700K est l'équivalent domestique le plus proche de la lumière des bougies et des lampes à huile sous laquelle les mosaïques d'or byzantines étaient vues à l'origine. L'or de Klimt sous une lumière dirigée chaude : la qualité métallique chatoyante et réfléchissante qu'aucune reproduction ne capture, restituée au mur domestique.

Meilleures positions : Le Baiser au-dessus du lit de la chambre (marine, le primaire romantique) ; l'Arbre de Vie au-dessus du canapé principal (marine, l'axis mundi cosmique) ; Judith I au-dessus du bureau ou dans la bibliothèque sombre (vert forêt ou marine, la femme fatale puissante) ; le Portrait d'Adèle Bloch-Bauer II au-dessus de la coiffeuse ou dans le salon (marine ou blanc chaud, le portrait en aplat de couleur). Voir l'Arbre de Vie →

Quatre programmes Klimt complets

Programme 1 : La Chambre à Coucher Le Baiser (environ 140 $)
Mur d'accentuation bleu marine au-dessus du lit + Le Baiser simple (environ 140 $) à 165–175 cm (câble de sécurité) + linge de lit crème chaud + lampes de chevet 2700K + spot d'art dirigé 2700K. L'or 23,75 carats du bleu marine foncé. « 27 ans avec Emilie. Derniers mots : « Va chercher Emilie. » Elle a brûlé les lettres. » Art total : environ 140 $.

Programme 2 : Le Salon l'Arbre de Vie (environ 310 $)
Mur de canapé principal bleu marine + Triptyque l'Arbre de Vie (environ 310 $) à 155–165 cm (de la Frise Stoclet, Bruxelles ; spirales dorées du bleu marine foncé) + canapé crème chaud + accents laiton + spot de rail dirigé 2700K. L'axe cosmique mundi au-dessus de l'espace de réunion. Art total : environ 310 $. Voir : Klimt : Guide de l'Arbre de Vie.

Programme 3 : La Galerie de la Période Dorée (environ 590 $)
Mur principal bleu marine + Le Baiser seul (~140 $) + Triptyque l'Arbre de Vie (~310 $) + Judith I seule (~140 $) dans une disposition de galerie. Trois programmes de la Période Dorée : la fusion romantique + l'arbre cosmique + la puissance de la femme fatale. Art total : ~590 $. Le programme domestique le plus complet de la Période Dorée de Klimt.

Programme 4 : Les deux femmes de Klimt (environ 280 $)
Murs bleu marine ou blanc chaud + Judith I simple (environ 140 $, vert forêt ou bleu marine, la femme fatale ; collier en or ; Belvédère Vienne) + Portrait d'Adele Bloch-Bauer II simple (environ 140 $, le portrait en aplat de couleurs ; 87,9 millions de dollars ; vol nazi ; restitué à Maria Altmann en 2006). Deux portraits de femmes de Klimt : la femme fatale mythologique + la bourgeoise hôtesse de salon dont le portrait a été volé par les nazis. Art total : environ 280 $. Voir : Klimt : Guide complet d'Adele Bloch-Bauer.

FAQ

Qui était Gustav Klimt ?

Gustav Klimt (14 juillet 1862 – 6 février 1918) : peintre autrichien ; fondateur et premier président de la Sécession viennoise (1897) ; figure centrale du modernisme viennois et du mouvement Art nouveau. Fils d'un graveur sur or (la source biographique de sa Période dorée). Inspiré par les mosaïques byzantines à fond d'or qu'il vit à Ravenne en 1903, il développa sa Période dorée (vers 1903-1909), utilisant de véritables feuilles d'or 23,75 carats dans des œuvres telles que Le Baiser (1907-1908), le Portrait d'Adele Bloch-Bauer I (1907), Judith I (1901) et l'Arbre de Vie (Frise Stoclet, 1905-1911). Il eut au moins 14 enfants de divers modèles, ne se maria jamais et vécut avec sa mère jusqu'à sa mort ; sa compagne de 27 ans fut Emilie Flöge, dont le nom fut son dernier mot après son AVC. Il mourut le 6 février 1918, à l'âge de 55 ans, au début de l'année où la Vienne impériale prit fin. Au Belvédère, Vienne. DeckArts Klimt à partir d'environ 140 $.

De quoi est fait l'or de Klimt ?

Feuille d'or métallique véritable — Le Baiser a spécifiquement utilisé une feuille d'or de 23,75 carats (l'or pur est de 24 carats ; 23,75 carats est de l'or de haute pureté avec un petit ajout d'autres métaux pour la malléabilité, la norme pour la dorure la plus fine). Klimt a grandi dans une famille de graveurs sur or (son père Ernst était orfèvre) et a appliqué la feuille d'or selon la même tradition matérielle. L'or n'est pas peint (pigment ocre jaune simulant l'or) mais une véritable feuille d'or métallique posée sur un support adhésif, qui réfléchit la lumière comme du métal — chatoyant et changeant d'apparence à mesure que le spectateur se déplace. C'est pourquoi les reproductions ne capturent jamais pleinement l'or de Klimt : une impression le reproduit comme une couleur jaune, mais l'original est une surface métallique réfléchissante. Klimt a été inspiré d'utiliser l'or par les mosaïques byzantines à fond d'or qu'il a vues à Ravenne en 1903. DeckArts Klimt à partir d'environ 140 $. Voir : Klimt : Le guide complet du Baiser.

Résumé de l'article

Gustav Klimt (14 juillet 1862 – 6 février 1918) est l'artiste le plus commercialement dominant et le plus emblématique de la Sécession viennoise et de l'Art nouveau. Huit faits biographiques spécifiques : (1) Fils d'un graveur sur or — la source biographique de sa Période dorée ; formé comme peintre décorateur architectural ; a reçu l'Ordre d'or du Mérite de l'empereur François-Joseph en 1888 ; (2) A fondé la Sécession viennoise en 1897 (devise : « À chaque époque son art. À l'art sa liberté ») ; a créé la Frise Beethoven (1902) ; (3) A visité Ravenne en 1903 et a été transformé par les mosaïques byzantines à fond d'or — sécularisant l'or sacré pour des sujets romantiques et bourgeois (300 ans après que Caravage ait fait le même pèlerinage) ; (4) La Période dorée a utilisé de véritables feuilles d'or 23,75 carats ; (5) Le Baiser (1907-1908, Belvédère) est l'image romantique la plus reproduite au monde, acquise par l'État autrichien avant son achèvement ; (6) Sa compagne de 27 ans Emilie Flöge (une créatrice de mode indépendante) a reçu ses derniers mots « Va chercher Emilie » après son AVC de 1918 ; elle a brûlé ses lettres ; il a eu au moins 14 enfants de divers modèles et ne s'est jamais marié ; (7) Le Portrait d'Adele Bloch-Bauer I (« Femme en or ») a été volé par les nazis, récupéré par Maria Altmann dans une bataille juridique de dix ans, et vendu pour 135 millions de dollars en 2006 ; (8) Les peintures de la Faculté universitaire ont été condamnées comme pornographiques et ont été brûlées par les forces SS en retraite en 1945 ; il est décédé au début de 1918, l'année où la Vienne impériale a pris fin. DeckArts Klimt : Le Baiser, l'Arbre de Vie, Judith I, Adèle II — à partir d'environ 140 $, sur bleu marine sous LED chaude 2700K. Expédié de Berlin. Retour sous 30 jours.

À propos de l'auteur

Stanislav Arnautov est le fondateur de DeckArts et un directeur créatif ukrainien basé à Berlin.

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