Interview · Par Stanislav Arnautov · Berlin · 8 min de lecture
La plupart des gens veulent que l'art sur leurs murs soit beau. Stefano Borella préfère qu'il suscite le débat.
L'illustrateur italien — mieux connu sous le nom de SteBore — dessine des nonnes portant des lunettes de soleil noires avec des dents en or, un vautour faisant un doigt d'honneur, et des personnages saisis en plein cri. Son travail est à la fois drôle et troublant, et il ne s'excuse absolument pas pour ce second aspect. Quatre de ses œuvres ornent désormais des planches en érable deckarts.
Nous lui avons demandé pourquoi le malaise est le but recherché. (Notre entretien avec Citrus Rock portait sur l'art de faire déborder la couleur dans le monde. Celui-ci prend la direction opposée.)
Des aiguilles de tatouage aux beaux-arts
Vous avez grandi entouré de crayons, de céramiques et de sculptures. Comment en êtes-vous arrivé au style brut et graphique que vous avez aujourd'hui ?
« Le style que j'ai aujourd'hui provient principalement des expériences professionnelles que j'ai eu la chance de vivre au fil des ans : agences de graphisme, édition, et même un salon de tatouage. C'est cette dernière expérience qui a vraiment donné un tournant concret à ma façon de dessiner.
À l'époque, le noir et blanc était ce dont j'avais besoin pour réaliser des tatouages simples à exécuter, mais efficaces dans le résultat final. J'ai fini par abandonner le tatouage car il ne m'offrait pas la liberté expressive que j'ai trouvée plus tard dans les beaux-arts. »
Cela explique beaucoup de choses. Les contours appuyés, les aplats de noir, la façon dont une silhouette est immédiatement lisible à l'autre bout d'une pièce — c'est la logique du tatouage qui sous-tend toujours son travail.
« Je suis juste fait comme ça »
Votre travail est souvent décrit comme tragicomique — un mélange de chaos, d'ironie et de fragilité. Qu'est-ce qui vous ramène sans cesse à ce mélange ?
« Je ne parlerais pas d'attirance pour ces thèmes, mais plutôt d'une question de personnalité. Je suis juste fait comme ça. Je ne peux m'empêcher de voir à quel point tout est tragiquement et merveilleusement ironique.
Comme lorsque nous nous sentons être la personne la plus cool de la pièce, mais que nous avons une crotte de nez de la taille d'un bras qui dépasse. Ou quand on se dit "tout ira bien" et que, cinq secondes plus tard, la vie nous frappe de plein fouet. Ou quand on se sent comme un dieu, mais qu'on ne se comprend même pas nous-mêmes dans notre intimité.
Si je peux, j'essaie d'en tirer un rire — de cette façon, le grotesque ne fait pas mal, il devient une chance de se connecter à quelqu'un d'autre. Ma façon de représenter les choses est fondamentalement la représentation de ma propre vision du monde. »
Ce que le malaise permet, contrairement à la beauté
Une grande partie de votre art est délibérément inconfortable. Que peut faire le malaise que la beauté ne peut pas faire ?
« Ha, excellente question ! Le malaise vous met à nu instantanément.
Vous êtes dans un ascenseur avec cinq autres personnes et quelqu'un pète. Vous pouvez être la personne la plus cool du monde, toute la façade que vous avez construite pour paraître au top s'effondre. Soit vous essayez de la maintenir debout de manière ridicule — rendant le malaise dans la pièce encore pire et vous grillant par la même occasion — soit tout le monde regarde discrètement de côté la personne la plus proche, même si cette personne se trouve être le Président des États-Unis.
Le malaise met tout le monde dans le même bateau. Il rend tout le monde vulnérable. Mais encore une fois, on peut aussi chevaucher ce malaise et le transformer en comédie — et c'est là, pour moi, que vous avez gagné. »
« Le malaise met tout le monde dans le même bateau. Il rend tout le monde vulnérable. »
Derrière la nonne
Des nonnes avec des lunettes de soleil noires et des dents en or. Un vautour qui fait un doigt d'honneur. D'où viennent ces personnages ?
« Ces personnages sont ma façon de paraphraser des sujets plus larges. Même ici, derrière le rôle de la "nonne", il y a des gens qui désirent, qui ressentent des passions fortes, qui s'énervent. C'est aussi tragicomique.
Évidemment, puisque c'est moi qui les dessine, ils représentent ce qui se passe dans ma tête — c'est mon explication. La beauté de l'art et des symboles, c'est qu'ils racontent à chaque personne sa propre vérité, en fonction de ses expériences personnelles. Donc ces personnages n'ont pas forcément à dire ce que je dis. »
Une poupée gonflable qui fait des bulles de savon
"I Would Like to but I Can't" (J'aimerais bien, mais je ne peux pas). — ce titre semble douloureusement humain. Quelle est l'histoire derrière cette œuvre ?
« Cette pièce fait partie de la série IT'S NOT ALL ABOUT SEX, et elle partage le même concept. Toutes les œuvres de cette série relient le désir à l'essence de qui nous sommes.
Parfois, nous pensons vouloir des choses, des situations qui ne nous appartiennent pas réellement — qui ne sont pas vraiment faites pour notre personnalité. Je pense que cette frustration est bien capturée par l'effort inutile d'une poupée gonflable essayant de faire des bulles de savon. »
Ce qui, quand on y réfléchit bien, est l'une des meilleures descriptions du fait de désirer la mauvaise chose que nous ayons entendue.
Plus italien qu'il ne le réalise
En quoi le fait de vivre et de travailler en Italie transparaît-il dans ce que vous créez ?
« Je pense qu'il y a plus d'Italie dans ce que je fais que je ne le réalise moi-même. Les nonnes sont l'exemple le plus clair de la manière dont la culture catholique a fait surface dans mes dessins.
Les personnes âgées, les grands-mères, les animaux des milieux ruraux — je vis dans une province agricole — ce sont toutes des pièces de ma vie passée et présente. Je suis sûr que même le dessin le plus inoffensif et jetable porte en lui une partie de celui qui l'a créé. »
Le pratiquant de roller qui observait toujours de côté
Qu'est-ce qui vous est passé par la tête la première fois que vous avez vu votre travail sur une véritable planche de skateboard ?
« Mettre mon art sur un skateboard est une immense source de satisfaction, car la culture urbaine est une partie vivante de mon identité.
Honnêtement, j'ai passé des années à faire du roller agressif, admirant toujours le skateboard de loin. J'ai toujours senti que ces deux mondes étaient complices. Ça a été le coup de foudre. »
Vos figures sont hautes, allongées, conflictuelles — elles semblent presque faites pour cette forme verticale. Coïncidence ?
« J'ai tendance à privilégier les compositions verticales, donc l'agencement s'est imposé tout naturellement. »
Cela vaut la peine d'être noté, car c'est ce que tous les artistes que nous avons interviewés finissent par dire avec leurs propres mots. Une œuvre composée pour la planche s'y installe différemment d'une œuvre qui y est adaptée — l'histoire des graphismes sur deck explique pourquoi cela est vrai depuis cinquante ans.
Parmi vos quatre planches chez nous, laquelle vous tient le plus à cœur ?
« Sans hésiter, je dirais 3 Sisters — simplement parce que je pense que le personnage de la nonne est vraiment réussi. »
« Encore mieux quand quelqu'un les critique »
C'était la question que nous voulions le plus poser. Il est facile d'aimer un art audacieux sur un écran, mais beaucoup plus difficile de s'engager à l'afficher sur un mur — surtout quand l'œuvre en question est un oiseau faisant un doigt d'honneur, ou une planche qui affiche simplement FUCK THIS WAY.
Accrocheriez-vous de l'art provocateur dans votre propre salon ? Que diriez-vous à quelqu'un qui aime votre travail mais craint ce que ses invités pourraient penser ?
« Partons du principe qu'une œuvre d'art "ordinaire" — celle qui n'est jamais devenue un symbole culturel — est et reste un bon dessin.
Cela dit, pour moi, c'est incroyable quand une œuvre accrochée au mur fait plus que simplement remplir l'espace : quand elle réussit à susciter un commentaire, même un "c'est dégoûtant !", et à ouvrir ne serait-ce qu'un petit débat.
Dans mon studio, je suis entouré par mes propres œuvres, et avec elles, je suis toujours en paix, en harmonie. Mais c'est agréable quand quelqu'un les apprécie — et c'est encore mieux quand quelqu'un les critique. C'est toujours une raison d'entamer une vraie conversation. »
« C'est agréable quand quelqu'un les apprécie — et c'est encore mieux quand quelqu'un les critique. »
C'est une façon utile de penser à l'achat d'art en général. La plupart de ce qui orne la plupart des murs est choisi précisément pour que personne n'en dise rien : inoffensif, accordé aux couleurs, sans danger. Cela remplit l'espace puis disparaît.
Une pièce qui a du mordant fait le contraire. Elle donne aux gens quelque chose sur quoi réagir dès qu'ils entrent dans la pièce — et une pièce où les invités ont quelque chose à se dire est, somme toute, une meilleure pièce. (Si vous découvrez ce format, notre guide de l'art mural pour skateboard couvre les tailles, les formats et les méthodes d'accrochage.) Si vous hésitez devant une pièce audacieuse, cette hésitation est généralement le signe que l'œuvre fait réellement son travail.
Il vaut la peine d'ajouter une note pratique, car ce sont des pièces qui affirment leur présence : elles préfèrent un mur pour elles toutes seules plutôt qu'une place dans un ensemble, et elles appartiennent à un mur clair plutôt qu'à un mur sombre. Le guide des couleurs explique pourquoi.
Où le trouver
Les quatre planches de Stefano — Duck You, 3 Sisters, For the Future? et I Would Like to but I Can't. — sont imprimées sur de l'érable canadien de grade A, finition mate et prêtes à être accrochées.
Vous pouvez le trouver sur Instagram, TikTok, Pinterest et Giphy — cherchez simplement @stebore91.
Merci, Stefano. 🖤
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