Entretien · Par Stanislav Arnautov · Berlin · 8 min de lecture
Il y a beaucoup de gris dans le monde d'Hadar en ce moment. Des chantiers. Des échafaudages. Du béton. Des rues défoncées puis remises en état. Elle vit en Israël, et une grande partie des constructions autour d'elle existe parce que quelque chose a été endommagé et doit maintenant être reconstruit.
Son art est tout le contraire du gris. Il est bruyant, chaleureux, amusant et incroyablement coloré — des personnages avec du caractère, de minuscules autocollants cachés dans les coins, et l'impression que quelqu'un passe un très bon moment. Elle travaille sous le nom de Citrus Rock, et trois de ses illustrations vivent désormais sur des planches en érable deckarts.
Nous lui avons demandé comment on passe de l'un à l'autre.
Trouver un style n'est pas un coup de foudre
Citrus Rock a un look tellement reconnaissable — des personnages audacieux, colorés et pleins d'attitude. Comment êtes-vous arrivée à ce style « pop-grotesque » ?
« Ce n'est certainement pas quelque chose que j'ai trouvé du jour au lendemain. Pendant longtemps, je n'étais pas sûre de ce qu'était mon style.
À un moment donné, je me suis mise au défi de dessiner tous les jours pendant 30 jours avec un seul objectif en tête : découvrir mon propre langage visuel. Je me suis surprise à dessiner constamment des personnages colorés, inspirés de la rue, aux personnalités exagérées. J'aimais vraiment les créer, et petit à petit, ils sont devenus plus raffinés. Avec le recul, ce défi a été le début de ce qui est finalement devenu mon style aujourd'hui. »
C'est une réponse discrètement encourageante. Le style n'est pas arrivé tout formé — il a été trouvé en étant présente, trente jours d'affilée, et en prêtant attention à ce qui continuait de sortir de sa main.
Pourquoi le gris lui donne envie de couleur
Vous avez mentionné que les chantiers gris et les échafaudages vous inspirent — que vous les voyez presque comme des spots de skate. Comment cette énergie urbaine brute et chaotique se transforme-t-elle en quelque chose d'aussi coloré et joyeux dans votre travail ?
« Oui ! Il y a vraiment des travaux partout autour de moi. Je pense que le fait d'être entourée par tant de gris me pousse naturellement à avoir encore plus besoin de couleur.
Certains disent que les artistes devraient dessiner sur du papier gris plutôt que blanc, et bien que je dessine toujours sur du papier blanc, je pense qu'il y a quelque chose dans cette idée qui résonne vraiment en moi. Le gris me donne envie de créer. Il me donne envie de déverser de la couleur dans le monde.
J'adore trouver de la beauté et du jeu dans des endroits que la plupart des gens ignorent, et d'une certaine manière, les chantiers, les échafaudages et les espaces inachevés font désormais partie de cette inspiration visuelle. »
« Le gris me donne envie de créer. Il me donne envie de déverser de la couleur dans le monde. »
L'échafaudage comme symbole de nouveaux départs
Comment le fait de vivre en Israël — ses rues, ses contrastes et son énergie — transparaît-il dans votre art ?
« La période difficile que nous avons traversée — et que nous traversons encore — en Israël m'a beaucoup appris sur moi-même.
J'ai vu beaucoup de gris et d'obscurité. De nombreux chantiers autour de moi existent parce que des maisons et des rues ont été endommagées et sont en cours de reconstruction. Même s'il y a tant de béton et d'échafaudages, je ne les vois plus comme des symboles de destruction. Pour moi, ils représentent de nouveaux départs — des endroits qui retrouveront bientôt vie, couleur et sens.
Quand le monde autour de vous commence à se reconstruire, cela vous encourage à vous reconstruire aussi.
C'est pourquoi il est devenu si important pour moi de remplir mes illustrations d'optimisme, de couleurs vives et de personnages joyeux. C'est ma façon de créer le genre de monde que je veux voir autour de moi.
Créer des illustrations joyeuses est devenue ma manière d'ajouter un peu plus de couleur au monde — et peut-être de rappeler aux gens que même après des temps difficiles, il y a toujours de la place pour reconstruire quelque chose de beau. »
Les personnages, c'est elle, au jour le jour
Vos personnages ont tellement de personnalité et d'humour. D'où viennent-ils — de vraies personnes, d'humeurs, de l'imagination ?
« Mes personnages viennent de moi. Ils reflètent généralement ce que je ressens à ce moment-là — ou parfois ce que j'aimerais ressentir.
La plupart du temps, je ne commence pas avec un plan clair. Je laisse juste ma main guider le chemin et je vois où le personnage veut aller. C'est l'une de mes parties préférées du processus — cela me surprend toujours. »
Y a-t-il un sentiment ou un message que vous espérez voir les gens retenir en regardant votre travail ?
« Plus que tout, j'espère que mon travail fait sourire les gens.
J'adore utiliser des couleurs audacieuses et vibrantes parce qu'elles me rendent naturellement heureuse, et j'espère qu'elles peuvent apporter un peu d'optimisme à quiconque les regarde. »
Voir le travail sortir de l'écran
Qu'est-ce qui vous est passé par la tête la première fois que vous avez vu votre art sur un véritable deck de skateboard au lieu d'un écran ?
« Honnêtement, c'était un sentiment incroyable.
Voir mon illustration exister dans le monde réel plutôt que juste sur mon iPad a rendu tout cela beaucoup plus concret. Cela m'a rappelé que l'illustration n'a pas à rester sur un écran — elle peut devenir quelque chose que les gens peuvent tenir, utiliser et avec lequel ils peuvent se connecter. J'espère que c'est le premier d'une longue série de projets comme celui-ci. »
La forme longue et étroite d'un deck change-t-elle votre approche d'une composition ?
« Pas pour ces illustrations ! En fait, je ne savais pas qu'elles finiraient sur des decks de skateboard quand je les ai créées.
Mais maintenant que j'ai vu à quel point une illustration peut bien vivre sur ce format, je sais que je réfléchirai certainement à la forme et à la composition du deck dès le départ dans mes futurs projets. »
La sienne est la version honnête d'une réponse que d'autres artistes donnent à l'inverse — Yehor Bread compose délibérément pour la forme et appelle la contrainte un avantage, alors que ces illustrations sont arrivées d'abord et ont trouvé le format ensuite. Les deux fonctionnent, pour une raison que l'histoire du graphisme des decks explique : le travail axé sur les personnages avec des contours forts survit mieux au champ étroit que presque tout le reste.
Celui qu'elle a accroché chez elle
Parmi vos trois decks chez nous — Reach the Sky, Proud Moment, Time of My Life — lequel vous tient le plus à cœur, et quelle est l'histoire derrière ?
« "Reach the Sky" est sans aucun doute celui qui me tient le plus à cœur — c'est aussi celui que j'ai choisi d'accrocher chez moi.
C'est probablement l'illustration où je me suis autorisée à m'amuser le plus avec de minuscules détails. Je l'ai remplie de petits autocollants et d'objets qui reflétaient ce qui se passait dans ma vie à l'époque. Par exemple — il y a un petit autocollant de planète parce que je lisais un livre sur l'espace, un autocollant de dent parce que ma dent de sagesse me faisait mal (une histoire vraie !), et même un logo de mode inspiré d'une marque avec laquelle j'avais récemment travaillé.
Quand j'ai partagé l'illustration pour la première fois, je l'ai accompagnée de la phrase "Trouve ta propre façon d'atteindre le ciel." Le personnage ressemblait à un reflet de moi-même, et je voulais qu'il nous encourage, moi et quiconque le regarde, à suivre son propre chemin vers ses rêves de la manière la plus authentique possible. »
Ce qui signifie que si vous accrochez Reach the Sky à votre mur, vous accrochez aussi une dent de sagesse, un livre sur l'espace et une petite blague privée. Regardez bien.
Peur de la couleur ? N'ayez pas peur
C'est la question que nous voulions le plus poser, car nous entendons l'hésitation constamment : les gens aiment l'art audacieux, puis paniquent à l'idée de l'exposer sur un mur.
Pour quelqu'un qui aime l'art audacieux mais qui se sent nerveux à l'idée de mettre quelque chose d'aussi coloré sur son mur — que leur diriez-vous ?
« Honnêtement ? Vous seriez surpris de voir à quel point cela semble moins intense une fois que c'est vraiment sur le mur (bien que je sois peut-être juste habituée à décorer mon propre espace avec mon art !)
Je pense vraiment que ces planches attirent naturellement les gens avec une certaine personnalité — des gens qui n'ont pas peur de la couleur. Mon sentiment est que si ce genre d'œuvre vous parle, vous ne réfléchirez probablement pas trop. Vous saurez juste que c'est la bonne chose pour vous. »
Cela correspond à ce que nous voyons en pratique. Une pièce audacieuse paraît presque toujours plus calme dans une pièce que sur un écran, car un mur lui donne de l'air, de la distance et du contexte. La vignette vous crie dessus à vingt centimètres. La vraie pièce est à travers la pièce, tenant un coin de l'espace ensemble.
Et un deck est un format indulgent précisément pour cette raison. Il est étroit. Il occupe une fine bande verticale plutôt que de dominer tout un mur — vous obtenez donc toute la personnalité d'une œuvre d'art audacieuse avec une fraction de l'empreinte visuelle. Si vous tournez autour de l'idée de la couleur, un seul deck est une manière peu risquée de commencer.
Une note pratique : le travail construit à partir de couleurs plates et vives appartient à un mur clair plutôt qu'à un mur sombre, car un mur sombre absorbe précisément le contraste dont il dépend. Notre guide des couleurs couvre cela, et le guide des tailles contient les mesures avant que vous ne vous engagiez sur un mur.
Où la trouver
Les decks Citrus Rock d'Hadar — Reach the Sky, Proud Moment et Time of My Life — sont imprimés sur de l'érable canadien de grade A, mats et prêts à être accrochés.
Vous pouvez suivre son travail sur Instagram à @citrusr0ckk, ou explorer plus de projets et de produits sur citrusrock.store.
Merci, Hadar. 🍋
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