LUCA est une artiste basée à Séoul qui visualise les émotions latentes et l'énergie intérieure à travers des formes en noir et blanc étroitement entrelacées. Valorisant l'intensité au sein du calme, LUCA croit que chaque dessin porte en lui sa propre flamme.
LUCA travaille exclusivement en noir et blanc — elle a troqué son crayon pour un stylo noir à l'âge de onze ans, dans un monde déjà saturé de couleurs, et a décidé de l'interpréter uniquement à l'encre. Le résultat est un dessin construit à partir de densité et de contraste plutôt que de couleur : des formes, des ailes, des yeux et des éléments d'architecture étroitement entrelacés, si densément superposés qu'une seule œuvre peut revêtir l'ampleur et le poids d'une composition complète, sans aucune couleur sur laquelle s'appuyer.
L'entretien
Pour commencer, parlez-nous un peu de vous. Comment êtes-vous venue à l'art ?
Bonjour, je suis LUCA, une illustratrice basée en Corée du Sud. J'ai commencé à dessiner à l'école primaire, en copiant des illustrations de livres pour enfants et des images trouvées en ligne. J'aimais bien plus dessiner que courir et jouer avec mes amis, alors j'y passais mes journées entières. Finalement, le dessin est devenu une habitude — et aujourd'hui, cela me semble être une partie naturelle de mon quotidien.
Votre travail possède un style visuel très distinctif. Comment l'avez-vous développé et comment le décririez-vous vous-même ?
Lorsque j'ai commencé à dessiner plus sérieusement vers l'âge de onze ans, j'ai choisi un stylo plutôt qu'un crayon — un stylo noir. Le monde était déjà rempli de couleurs, et je voulais l'interpréter en utilisant uniquement le noir et le blanc. Au cœur de mon style, je place toujours une flamme intense, quelque chose qui attire immédiatement le regard. Même sans couleur, je valorise la profondeur qui peut être créée par la densité et le contraste.
Où trouvez-vous habituellement vos idées et votre inspiration pour vos nouvelles œuvres ?
Mes idées viennent principalement de mes émotions et de mon imagination. Des images abstraites commencent à apparaître dans mon esprit lorsque j'essaie de donner forme à des choses qui n'ont pas de réalité physique.
Comment une nouvelle pièce commence-t-elle généralement pour vous ? Avez-vous déjà la composition finale en tête, ou se développe-t-elle au cours du processus ?
Il est rare que j'aie la composition finale parfaitement formée dans mon esprit dès le début. Je commence généralement avec seulement une idée approximative de la forme globale, et l'œuvre change intuitivement à mesure que je travaille dessus.
Pourquoi travaillez-vous si souvent en noir et blanc ? Qu'est-ce que cette esthétique apporte à votre travail ?
Travailler en noir et blanc est un moyen puissant de transmettre simultanément le calme et l'intensité. Je pense que cela me permet d'exprimer les nombreuses significations cachées au sein de mon travail — à la fois microscopiques et expansives — d'une manière qui semble à la fois silencieuse et percutante. Avec le niveau de détail déjà présent dans mes dessins, utiliser trop de couleurs pourrait facilement les rendre visuellement oppressants.
Vous vivez et travaillez à Séoul. À quel point la ville et la culture visuelle coréenne influencent-elles votre art ?
Séoul est l'une des métropoles les plus densément peuplées au monde, et sa complexité a beaucoup en commun avec mes dessins. Le mouvement d'une grande ville, comme les innombrables lignes entrelacées de mon travail, peut sembler chaotique et intense. Un jour, alors que j'étais sur le toit d'un immeuble de trente étages, j'ai regardé par-delà les grappes denses de bâtiments et de tours résidentielles. Entre elles, j'ai remarqué des montagnes et des zones de verdure dispersées à travers la ville. Elles m'ont semblé être des espaces de repos — des moments de vide au sein d'une ville en mouvement constant. Cela m'a fait réaliser que mes dessins avaient aussi besoin de ce type d'espace négatif. J'ai commencé à reconnaître l'importance de l'équilibre. J'ai également toujours été intéressée par les motifs traditionnels et les styles visuels du monde entier, et récemment, je me suis particulièrement intéressée aux motifs et à l'esthétique traditionnels coréens.
Sur les planches de skateboard
Lorsque vous regardez une planche de skateboard, la voyez-vous principalement comme un skateboard ou comme une toile pour l'art ?
Dans le quartier où je vis, je vois rarement des skateboards présentant des illustrations détaillées. La plupart sont simplement noirs ou décorés de motifs très minimalistes. Même le skateboard chez moi est entièrement noir. Chaque fois que je le regardais, il me semblait trop sobre, et je voulais dessiner quelque chose dessus. En tant qu'objet associé à la jeunesse et à la culture urbaine, j'ai senti qu'il méritait de porter quelque chose de visuellement puissant. Pour moi, chaque surface vide peut devenir une toile pour l'art.
Si vous créiez une œuvre spécifiquement pour une planche de skateboard, qu'est-ce qui serait le plus important pour vous en termes de composition et de forme ?
C'est une question qui m'enthousiasme vraiment. Le plus important serait de créer une relation naturelle entre la forme de la planche et mon œuvre. Je voudrais utiliser ses proportions longues et étroites ainsi que ses courbes comme faisant partie intégrante de la composition elle-même. Mon travail comporte souvent des structures au flux vertical et des formes symétriques, donc je souhaiterais développer une composition qui souligne ces détails continus tout en s'adaptant naturellement à la forme de la planche. Idéalement, elle apparaîtrait comme une silhouette puissante vue de loin, tout en révélant des détails complexes lorsqu'on l'observe de près.
Influences et perspectives d'avenir
Y a-t-il des artistes, designers, musiciens ou autres créatifs qui vous ont fortement influencée ou qui continuent de vous inspirer aujourd'hui ?
Une personne qui m'inspire depuis mes années d'école est G-Dragon du groupe de K-pop BIGBANG. À travers sa musique, sa mode et son implication constante dans l'art, je pense qu'il incarne véritablement ce que signifie être un artiste. Son esprit pionnier et sa volonté d'explorer différents domaines créatifs plutôt que de rester confiné dans un seul genre continuent de m'influencer.
Quel type de projet, de collaboration ou d'orientation créative aimeriez-vous le plus explorer à l'avenir ?
À l'avenir, j'aimerais particulièrement explorer des projets de mode et des collaborations qui permettraient à mon travail artistique de faire partie intégrante du vêtement. Je recherche actuellement comment créer une marque indépendante qui étendrait le langage visuel de mes dessins à des vêtements et d'autres objets. En même temps, je ne veux pas me limiter à la mode. Je serais ouverte à des collaborations dans le domaine du skateboard, de la musique, des espaces, des objets, ou tout autre domaine où mon travail peut établir une connexion naturelle et significative.
Les designs de LUCA ne figurent pas encore dans le catalogue deckarts — cet entretien est une introduction à son travail en amont de cela. En attendant, découvrez-en plus sur son Instagram.
Résumé de l'entretien
- LUCA est une illustratrice basée à Séoul qui travaille exclusivement à l'encre noire et blanche depuis l'âge de onze ans, choisissant le stylo plutôt que le crayon pour interpréter un monde déjà coloré sans utiliser de couleur.
- Ses compositions sont rarement prêtes dès le départ — une forme brute se développe intuitivement au fur et à mesure, construite à partir de densité et de contraste plutôt que de couleur.
- La densité de Séoul a directement façonné son sens de l'espace négatif : les montagnes et les espaces verts de la ville entre les tours d'habitation lui ont appris que ses dessins avaient aussi besoin d'espace pour respirer.
- Elle aborderait une planche de skateboard en construisant directement autour de ses proportions longues, étroites et courbes — une silhouette puissante de loin, des détails complexes de près.
- G-Dragon de BIGBANG l'influence depuis l'école pour sa volonté de travailler à travers de multiples champs créatifs plutôt que de se cantonner à un seul genre — quelque chose qu'elle souhaiterait faire elle-même, particulièrement dans la mode.
- Ses créations ne sont pas encore dans le catalogue deckarts ; cet entretien présente son travail avant une future collaboration.
Voir en coréen (한국어로 보기)
LUCA est une artiste basée à Séoul qui visualise les émotions latentes et l'énergie intérieure à travers des formes en noir et blanc étroitement entrelacées. Valorisant l'intensité au sein du calme, LUCA croit que chaque dessin porte en lui sa propre flamme.
LUCA travaille exclusivement en noir et blanc — elle a troqué son crayon pour un stylo noir à l'âge de onze ans, dans un monde déjà saturé de couleurs, et a décidé de l'interpréter uniquement à l'encre. Le résultat est un dessin construit à partir de densité et de contraste plutôt que de couleur : des formes, des ailes, des yeux et des éléments d'architecture étroitement entrelacés, si densément superposés qu'une seule œuvre peut revêtir l'ampleur et le poids d'une composition complète, sans aucune couleur sur laquelle s'appuyer.
L'entretien
Pour commencer, parlez-nous un peu de vous. Comment êtes-vous venue à l'art ?
Bonjour, je suis LUCA, une illustratrice basée en Corée du Sud. J'ai commencé à dessiner à l'école primaire, en copiant des illustrations de livres pour enfants et des images trouvées en ligne. J'aimais bien plus dessiner que courir et jouer avec mes amis, alors j'y passais mes journées entières. Finalement, le dessin est devenu une habitude — et aujourd'hui, cela me semble être une partie naturelle de mon quotidien.
Votre travail possède un style visuel très distinctif. Comment l'avez-vous développé et comment le décririez-vous vous-même ?
Lorsque j'ai commencé à dessiner plus sérieusement vers l'âge de onze ans, j'ai choisi un stylo plutôt qu'un crayon — un stylo noir. Le monde était déjà rempli de couleurs, et je voulais l'interpréter en utilisant uniquement le noir et le blanc. Au cœur de mon style, je place toujours une flamme intense, quelque chose qui attire immédiatement le regard. Même sans couleur, je valorise la profondeur qui peut être créée par la densité et le contraste.
Où trouvez-vous habituellement vos idées et votre inspiration pour vos nouvelles œuvres ?
Mes idées viennent principalement de mes émotions et de mon imagination. Des images abstraites commencent à apparaître dans mon esprit lorsque j'essaie de donner forme à des choses qui n'ont pas de réalité physique.
Comment une nouvelle pièce commence-t-elle généralement pour vous ? Avez-vous déjà la composition finale en tête, ou se développe-t-elle au cours du processus ?
Il est rare que j'aie la composition finale parfaitement formée dans mon esprit dès le début. Je commence généralement avec seulement une idée approximative de la forme globale, et l'œuvre change intuitivement à mesure que je travaille dessus.
Pourquoi travaillez-vous si souvent en noir et blanc ? Qu'est-ce que cette esthétique apporte à votre travail ?
Travailler en noir et blanc est un moyen puissant de transmettre simultanément le calme et l'intensité. Je pense que cela me permet d'exprimer les nombreuses significations cachées au sein de mon travail — à la fois microscopiques et expansives — d'une manière qui semble à la fois silencieuse et percutante. Avec le niveau de détail déjà présent dans mes dessins, utiliser trop de couleurs pourrait facilement les rendre visuellement oppressants.
Vous vivez et travaillez à Séoul. À quel point la ville et la culture visuelle coréenne influencent-elles votre art ?
Séoul est l'une des métropoles les plus densément peuplées au monde, et sa complexité a beaucoup en commun avec mes dessins. Le mouvement d'une grande ville, comme les innombrables lignes entrelacées de mon travail, peut sembler chaotique et intense. Un jour, alors que j'étais sur le toit d'un immeuble de trente étages, j'ai regardé par-delà les grappes denses de bâtiments et de tours résidentielles. Entre elles, j'ai remarqué des montagnes et des zones de verdure dispersées à travers la ville. Elles m'ont semblé être des espaces de repos — des moments de vide au sein d'une ville en mouvement constant. Cela m'a fait réaliser que mes dessins avaient aussi besoin de ce type d'espace négatif. J'ai commencé à reconnaître l'importance de l'équilibre. J'ai également toujours été intéressée par les motifs traditionnels et les styles visuels du monde entier, et récemment, je me suis particulièrement intéressée aux motifs et à l'esthétique traditionnels coréens.
Sur les planches de skateboard
Lorsque vous regardez une planche de skateboard, la voyez-vous principalement comme un skateboard ou comme une toile pour l'art ?
Dans le quartier où je vis, je vois rarement des skateboards présentant des illustrations détaillées. La plupart sont simplement noirs ou décorés de motifs très minimalistes. Même le skateboard chez moi est entièrement noir. Chaque fois que je le regardais, il me semblait trop sobre, et je voulais dessiner quelque chose dessus. En tant qu'objet associé à la jeunesse et à la culture urbaine, j'ai senti qu'il méritait de porter quelque chose de visuellement puissant. Pour moi, chaque surface vide peut devenir une toile pour l'art.
Si vous créiez une œuvre spécifiquement pour une planche de skateboard, qu'est-ce qui serait le plus important pour vous en termes de composition et de forme ?
C'est une question qui m'enthousiasme vraiment. Le plus important serait de créer une relation naturelle entre la forme de la planche et mon œuvre. Je voudrais utiliser ses proportions longues et étroites ainsi que ses courbes comme faisant partie intégrante de la composition elle-même. Mon travail comporte souvent des structures au flux vertical et des formes symétriques, donc je souhaiterais développer une composition qui souligne ces détails continus tout en s'adaptant naturellement à la forme de la planche. Idéalement, elle apparaîtrait comme une silhouette puissante vue de loin, tout en révélant des détails complexes lorsqu'on l'observe de près.
Influences et perspectives d'avenir
Y a-t-il des artistes, designers, musiciens ou autres créatifs qui vous ont fortement influencée ou qui continuent de vous inspirer aujourd'hui ?
Une personne qui m'inspire depuis mes années d'école est G-Dragon du groupe de K-pop BIGBANG. À travers sa musique, sa mode et son implication constante dans l'art, je pense qu'il incarne véritablement ce que signifie être un artiste. Son esprit pionnier et sa volonté d'explorer différents domaines créatifs plutôt que de rester confiné dans un seul genre continuent de m'influencer.
Quel type de projet, de collaboration ou d'orientation créative aimeriez-vous le plus explorer à l'avenir ?
À l'avenir, j'aimerais particulièrement explorer des projets de mode et des collaborations qui permettraient à mon travail artistique de faire partie intégrante du vêtement. Je recherche actuellement comment créer une marque indépendante qui étendrait le langage visuel de mes dessins à des vêtements et d'autres objets. En même temps, je ne veux pas me limiter à la mode. Je serais ouverte à des collaborations dans le domaine du skateboard, de la musique, des espaces, des objets, ou tout autre domaine où mon travail peut établir une connexion naturelle et significative.
Les designs de LUCA ne figurent pas encore dans le catalogue deckarts — cet entretien est une introduction à son travail en amont de cela. En attendant, découvrez-en plus sur son Instagram.
À propos de l'auteur
Stanislav Arnautov est le fondateur de deckarts, graphiste et spécialiste de l'impression originaire d'Ukraine, désormais basé à Berlin, où il conçoit et prépare personnellement chaque planche. Suivez-le sur Instagram ou visitez stasarnautov.com.
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