Dernière mise à jour : juillet 2026 · Par Stanislav Arnautov · Berlin · 14 min de lecture
Réponse rapide : les planches de skate sont restées neutres jusqu'au milieu des années 1970. Les graphismes sont apparus avec les planches Dogtown dessinées à la main par Wes Humpston, sont devenus une véritable industrie avec Powell-Peralta et Santa Cruz dans les années 1980, se sont faits provocateurs à l'ère du skate de rue dans les années 1990, et sont aujourd'hui collectionnés et exposés. La raison est économique : une planche est un produit consommable ; le graphisme était donc le seul élément permettant de distinguer une planche en érable pressé d'une autre.
La plupart des récits sur les graphismes de planches décrivent des décennies sans nommer personne. Celui-ci cite les acteurs du milieu, car ce sont les détails qui rendent cette histoire digne d'être racontée.
Les années blanches
Les premiers skateboards étaient improvisés. Dans la Californie du Sud des années 1950, des surfeurs récupéraient les trucks et les roues de patins à roulettes pour les clouer sur des planches en bois ; l'objectif était de pouvoir « surfer » quand il n'y avait pas de vagues, et personne ne voyait l'intérêt de décorer quoi que ce soit.
Les planches commerciales ont fait leur apparition au début des années 1960, mais les roues en terre cuite ou en acier rendaient la pratique dangereuse, et le premier engouement s'est effondré vers 1965 presque aussi vite qu'il avait commencé. Pendant près d'une décennie, le skateboard a été une industrie quasi moribonde. Rien n'était imprimé sous les planches, tout simplement parce qu'il n'y avait pour ainsi dire pas de marché.
La roue qui a tout relancé
Le renouveau est venu d'un matériau, pas d'un design. Au début des années 1970, Frank Nasworthy a commencé à vendre des roues en polyuréthane — commercialisées sous le nom de Cadillac Wheels — et elles ont radicalement changé les capacités du skateboard. L'uréthane offrait une meilleure adhérence, roulait sur les sols rugueux et ne glissait pas sous le rider comme le faisait l'argile.
Le skate est devenu viable, puis populaire, et une industrie s'est reconstruite autour. Santa Cruz Skateboards a été fondée en 1973. Powell-Peralta a suivi plus tard dans la décennie, lorsque George Powell s'est associé au skateur Stacy Peralta. Des entreprises existaient désormais et devaient se différencier ; la face plane du dessous de la planche était le seul espace disponible.
Wes Humpston et les premiers graphismes
La personne à qui l'on attribue le plus souvent le mérite d'avoir transformé cette surface en toile est Wes Humpston. Évoluant dans la scène Dogtown à Venice et Santa Monica dans la seconde moitié des années 1970, il dessinait à la main sur le dessous des planches — croix, lettrages, tracés denses — d'abord pour lui et ses amis, puis pour créer l'identité de Dogtown Skates.
Ce qui est significatif, c'est que le graphisme du dessous n'était auparavant rien d'autre qu'un logo, voire inexistant. Humpston l'a traité comme une surface de dessin, et l'idée a immédiatement fait mouche. En quelques années, chaque entreprise d'envergure avait quelqu'un pour faire de même, et le dessous d'une planche est devenu l'élément de design le plus visible du skateboard, car c'est ce que le public voit lorsque la planche est en l'air.
Les années 1980 : VCJ et Jim Phillips
Deux artistes dominent cette décennie, et leurs œuvres sont toujours en circulation quarante ans plus tard.
Vernon Courtlandt Johnson, généralement crédité sous le nom de VCJ, a façonné l'identité visuelle de Powell-Peralta. Son emblème « tête de mort et épée », le « Ripper » ailé et les graphismes des modèles pros pour les riders de la Bones Brigade ont imposé une imagerie héraldique, gothique et squelettique auprès des adolescents, bien avant que ce vocabulaire n'atteigne le design grand public. Ses dessins sont denses, symétriques et riches en noirs — conçus pour être lisibles de loin sur une planche en mouvement.
Jim Phillips a accompli un travail équivalent chez Santa Cruz, sur un registre totalement différent : des couleurs vives, un style « cartoon » sonore, plus proche de l'illustration des magazines de monstres et de hot-rods que de l'héraldique. Sa « Screaming Hand », dessinée en 1985, a survécu au contexte pour lequel elle a été créée et est aujourd'hui l'une des images les plus reproduites de l'époque — imprimée sur bien plus de t-shirts et d'autocollants que de planches de skate.
Tous deux faisaient de l'illustration commerciale pour une marque d'articles de sport. Aucun n'opérait dans le monde de l'art. C'est précisément pour cette raison que leur travail est si singulier.
Pourquoi les planches arboraient des visuels si étranges
C'est l'aspect généralement oublié, et pourtant c'est celui qui explique tout le reste.
Une planche est un produit consommable. Elle s'use, se délamine ou se casse, et un skateur régulier remplace ses planches constamment. Ce simple fait a dicté toute la culture visuelle du milieu.
Comme les planches s'usent, les entreprises vendaient sur la base du renouvellement. Et comme une planche provenant d'une usine est physiquement très similaire à une autre, il n'y avait presque aucun autre terrain de concurrence possible que le graphisme. Et parce que les clients étaient des adolescents qui récompensaient l'étrangeté là où un comité de direction l'aurait sanctionnée, l'art a pu s'aventurer sur des territoires qu'aucun produit de consommation ordinaire n'aurait osé toucher : crânes, symboles occultes, gore, blasphèmes, humour de mauvais goût.
Il n'y avait aucune galerie à satisfaire et aucune vérification de la « sécurité de la marque ». Les graphismes de skate de cette période constituent l'un des rares corpus importants d'illustration commerciale produits sans pratiquement aucune contrainte, ce qui explique pourquoi ils restent incomparables.
Les années 1990 : planches plus fines, humour plus acerbe
Le skate de rue a détrôné le « vert » à la fin des années 1980 et au début des années 1990, et la forme des planches a évolué : plus étroites, plus symétriques, avec le design « twin-tip » encore standard aujourd'hui. Les graphismes ont également changé.
World Industries, fondée par Steve Rocco en 1987, a donné le ton : des graphismes qui parodiaient les logos d'entreprises, se moquaient des concurrents et cherchaient délibérément la provocation, souvent sous le crayon de Marc McKee. Une partie a mal vieilli et une autre se voulait indéfendable dès sa sortie. Quoi qu'il en soit, cela a éloigné le graphisme de planche de l'illustration décorative pour le rapprocher du commentaire social.
À l'autre extrémité, Girl Skateboards — fondée en 1993 avec Andy Jenkins et Evan Hecox à la direction artistique — a introduit une retenue typique des écoles de design sur le même marché : typographies plus épurées, mises en page réfléchies, une esthétique empruntée au design graphique du milieu du XXe siècle plutôt qu'aux comics de monstres.
La planche comme objet de collection et d'exposition
Deux phénomènes se sont produits à partir des années 2000.
Les planches sont devenues des objets de collection. Les planches originales Powell-Peralta et Santa Cruz des années 1980, surtout celles n'ayant jamais été ridées, ont intégré un marché secondaire sérieux. Les séries de collaborations artistiques de Supreme ont produit des planches achetées dès le départ pour être conservées plutôt que ridées ; une collection complète a été vendue aux enchères par Sotheby's en 2019, signalant clairement que ces objets avaient quitté la catégorie des articles de sport.
Les skateurs se sont révélés être des artistes. Ed Templeton, fondateur de Toy Machine, expose sa peinture et sa photographie à l'international depuis des décennies. L'exposition de 2004 et le documentaire ultérieur Beautiful Losers ont regroupé une série d'artistes issus de la culture skate et street plutôt que des écoles d'art, rendant ce lien explicite.
La planche est alors devenue un format reconnu pour le travail artistique et un objet que les gens souhaitent accrocher au mur.
La place des planches murales
Les planches fabriquées spécifiquement pour la décoration murale sont un développement plus récent et différent ; il est important de clarifier cette distinction.
Une planche Powell-Peralta originale de 1985 est un objet historique : elle a été fabriquée pour être ridée, porte un graphisme dessiné à cet effet, et sa valeur provient de sa provenance et de sa rareté. Une planche imprimée aujourd'hui pour servir de décoration murale n'est rien de tout cela. Il s'agit d'une nouvelle planche neutre utilisée comme support, choisie parce que ses proportions et ses matériaux conviennent à l'usage.
Ce qui demeure, c'est la raison pour laquelle ce format fonctionne. Les artistes de skate ont toujours composé pour un champ vertical étroit avec des extrémités arrondies plutôt que d'adapter des images rectangulaires ; ils concevaient leurs visuels pour qu'ils soient lisibles à distance et en mouvement. Ce sont les mêmes exigences que pour une œuvre accrochée au mur dans une pièce.
Le catalogue deckarts explore cette surface dans deux directions : les reproductions de peintures du domaine public, couvertes dans nos guides sur la Renaissance, l'art japonais, Van Gogh, Klimt et l'art moderne ; et les designs contemporains originaux, abordés dans notre guide sur l'art contemporain et le pop art, qui se rapproche le plus de la tradition graphique décrite ci-dessus.
Collections associées : nos planches de skate art contemporain et pop art ainsi que nos planches murales Renaissance et art classique.
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FAQ
Quand les skateboards ont-ils eu leurs premiers graphismes ?
Du milieu à la fin des années 1970. Les planches des années 1950 et 1960 étaient neutres, et l'industrie a presque disparu après l'effondrement du premier boom vers 1965. Le renouveau est arrivé avec les roues en polyuréthane de Frank Nasworthy au début des années 1970, rendant le skate suffisamment viable pour que des entreprises se reconstruisent — Santa Cruz a été fondée en 1973, Powell-Peralta plus tard dans la décennie. Wes Humpston, actif dans la scène Dogtown à Venice et Santa Monica, est le plus souvent crédité d'avoir transformé le dessous de la planche en surface de dessin plutôt qu'en simple emplacement pour un logo, en dessinant à la main des croix et des lignes denses, d'abord pour ses amis, puis comme identité de Dogtown Skates. L'idée s'est répandue presque immédiatement, car le dessous d'une planche est l'élément le plus visible du skateboard — c'est ce que tout le monde voit quand la planche est dans les airs.
Quels ont été les plus importants artistes graphiques du skateboard ?
Deux noms dominent les années 1980. Vernon Courtlandt Johnson (VCJ) a créé l'identité visuelle de Powell-Peralta, incluant l'emblème « tête de mort et épée » et le Ripper ailé, imposant une imagerie gothique et squelettique aux adolescents bien avant que le design grand public ne s'en empare. Jim Phillips a fait de même chez Santa Cruz sur un registre totalement différent — vif, sonore et proche du cartoon, rappelant les illustrations de magazines de monstres — et sa « Screaming Hand », dessinée en 1985, est devenue l'une des images les plus reproduites de l'époque. Plus tôt, Wes Humpston a établi cette pratique elle-même. Dans les années 1990, le travail de Marc McKee pour World Industries a poussé le graphisme vers la parodie et la provocation, tandis qu'Andy Jenkins et Evan Hecox ont apporté une retenue plus académique chez Girl Skateboards.
Pourquoi l'art du skateboard a-t-il pu être aussi étrange ?
À cause du fonctionnement économique du produit. Une planche est un consommable — elle s'use, se délamine ou casse, et un skateur régulier en change constamment — poussant les entreprises à miser sur le renouvellement des ventes. Comme une planche d'une usine équivaut à celle d'une autre, le graphisme était le seul levier de différenciation. De plus, les clients étaient des adolescents qui valorisaient l'étrangeté, contrairement à un comité de direction qui l'aurait censurée. Il n'y avait aucune galerie à satisfaire ni aucun contrôle de « sécurité de marque », ce qui a poussé le travail dans des zones qu'aucun produit ordinaire n'aurait abordées : crânes, symboles occultes, gore et provocation délibérée. Les graphismes de cette époque restent l'un des rares corpus d'illustration commerciale produits sans aucune contrainte, ce qui explique leur aspect unique.
Une planche murale est-elle la même chose qu'un skateboard de collection ?
Non, et il convient de maintenir la distinction. Une planche originale Powell-Peralta ou Santa Cruz des années 1980 est un objet historique : fabriqué pour être ridé, portant un graphisme dessiné à cet effet, sa valeur provient de sa provenance et de sa rareté, ce qui explique pourquoi de telles planches ont intégré un marché secondaire sérieux et pourquoi Sotheby's a mis aux enchères une collection complète de planches Supreme en 2019. Une planche imprimée aujourd'hui comme décoration murale est autre chose : une nouvelle base utilisée comme support parce que ses proportions et ses matériaux conviennent à la tâche. Ce n'est pas un artefact historique et elle ne prend pas de valeur avec le temps. Ce qui est conservé de la tradition est la logique compositionnelle : les artistes de skate ont toujours conçu pour un champ vertical étroit et pour une lisibilité à distance, exactement comme pour un mur vu à travers une pièce.
Qui a dessiné la « Screaming Hand » ?
Jim Phillips a dessiné la « Screaming Hand » pour Santa Cruz Skateboards en 1985. Elle est devenue l'une des images les plus reproduites dans l'histoire du skateboard.
Qui était VCJ ?
VCJ est le pseudonyme de Vernon Courtlandt Johnson, l'artiste derrière de nombreux graphismes de Powell-Peralta à la fin des années 1970 et dans les années 1980, notamment les crânes, le « Ripper » et les designs de dragons associés à l'équipe Bones Brigade.
Quand les roues en uréthane ont-elles changé le skateboard ?
Frank Nasworthy a introduit les roues de skate en uréthane au début des années 1970. Leur adhérence et leur souplesse ont relancé le skateboard après le krach du milieu des années 1960, menant à l'essor des graphismes sur les planches.
Résumé de l'article
Les skateboards sont restés neutres tout au long des années 1950 et 1960, et l'industrie s'est presque effondrée vers 1965, avant que les roues en polyuréthane de Frank Nasworthy ne rendent le skate viable au début des années 1970, permettant à des entreprises comme Santa Cruz (1973) et Powell-Peralta de se reconstruire. Wes Humpston, dans la mouvance Dogtown, est le plus souvent crédité d'avoir fait du dessous d'une planche une surface de dessin plutôt qu'un simple espace publicitaire. Les années 1980 ont été définies par deux artistes sur des registres opposés : le travail héraldique et gothique de Vernon Courtlandt Johnson pour Powell-Peralta, et les graphismes vifs et cartoon de Jim Phillips pour Santa Cruz, incluant la « Screaming Hand » de 1985. L'étrangeté de ces œuvres s'explique économiquement : la planche étant un consommable et le produit physique étant standardisé, le graphisme était le seul différenciateur, et le public adolescent récompensait justement ce qu'un comité de direction aurait supprimé. Les années 1990 ont apporté des planches de rue plus étroites, la parodie de World Industries et la retenue créative de Girl Skateboards. Depuis les années 2000, les planches sont devenues des objets de collection et les artistes issus du skate ont investi les galeries. Les planches murales d'aujourd'hui sont un développement distinct : de nouveaux supports exploitant la logique compositionnelle de la tradition sans prétendre à la provenance historique.
À propos de l'auteur
Stanislav Arnautov est le fondateur de deckarts, graphiste et spécialiste de l'impression originaire d'Ukraine et désormais basé à Berlin, où il conçoit et prépare personnellement chaque planche.
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