Art de skateboard japonais Ukiyo-e : Hokusai, Kuniyoshi et la tradition de l'estampe

Dernière mise à jour : juillet 2026 · Par Stanislav Arnautov · Berlin · 16 min de lecture

De tout le catalogue, les estampes japonaises sur bois sont les œuvres qui nécessitent le moins de justification pour figurer sur un skateboard.

L'ukiyo-e n'a jamais rien eu de précieux. Il s'agissait d'estampes commerciales, produites en grandes éditions, vendues à bas prix dans les rues d'Edo à des gens ordinaires qui voulaient une image d'un acteur qu'ils appréciaient ou une vue d'une montagne. Une estampe coûtait à peu près le prix d'un bol de nouilles. Elles étaient réalisées par des équipes — un artiste, un graveur, un imprimeur, un éditeur — selon un procédé industriel reproductible, et aucun des intervenants ne les considérait comme des objets de musée.

Deux siècles plus tard, elles sont exposées au Met et au British Museum, et une belle impression originale se vend à un prix élevé. Mais l'œuvre elle-même était un art populaire, réalisé par des artisans, imprimé en quantité, destiné au mur d'une maison ordinaire. Le placer sur un objet en bois produit en série, vendu à un prix accessible, ne constitue pas une subversion de ce qu'était l'ukiyo-e. C'est une continuation assez fidèle de son esprit.

Ce qu'est réellement l'ukiyo-e

Ukiyo-e se traduit approximativement par « images du monde flottant ». Le monde flottant désignait les quartiers de plaisir d'Edo — les théâtres, les maisons de thé, les quartiers de divertissement — et, par extension, l'idée même de vivre dans le présent éphémère plutôt que de s'inquiéter de la vie future. Les estampes représentaient ce que ce monde contenait : acteurs de kabuki, courtisanes, lutteurs de sumo, histoires de fantômes, et plus tard des paysages et des voyages.

Le processus de production est essentiel pour comprendre pourquoi ces images se reproduisent si bien sur du bois, car il s'agissait à l'origine d'un procédé d'impression sur bois.

Un artiste fournissait un dessin. Un graveur le collait face contre un bloc de bois de cerisier et découpait tout ce qui n'était pas ligne, détruisant ainsi le dessin original. Ensuite, un bloc séparé était gravé pour chaque couleur de l'image. Un imprimeur encrait les blocs dans l'ordre et pressait manuellement le papier sur chacun d'eux, en utilisant des repères de calage gravés dans les blocs pour aligner chaque couche.

Trois conséquences ont façonné le langage visuel, et ces trois raisons expliquent pourquoi l'ukiyo-e fonctionne sur une planche de skate :

• Aplats de couleurs. Chaque bloc imprime une couleur unie, le style s'est donc développé autour de champs nets plutôt que de modelés dégradés. Les aplats de couleurs résistent parfaitement à toute reproduction.
• Contours noirs puissants. Le bloc clé portait le dessin, et cette ligne assure la cohérence de l'image. Elle reste lisible quelle que soit la taille.
• Composition audacieuse et simplifiée. La complexité signifiait plus de blocs et un coût plus élevé ; les meilleurs créateurs obtenaient donc un impact maximal avec des moyens minimaux.

C'est l'opposé du sfumato de Léonard de Vinci, par exemple, qui dépend de transitions infinies et perd de sa superbe à chaque reproduction. Une estampe sur bois est un design conçu pour une impression reproductible. La reproduire fidèlement est donc beaucoup plus simple.

Hokusai : La Grande Vague de Kanagawa — 230 €

Katsushika Hokusai avait environ soixante-dix ans lorsqu'il a réalisé l'image la plus reproduite de l'histoire de l'art japonais, et elle n'était pas destinée à être un chef-d'œuvre isolé. La Grande Vague est une feuille issue des Trente-six vues du mont Fuji, une série commerciale publiée vers 1831 pour capitaliser sur l'essor des voyages intérieurs et le culte populaire entourant la montagne.

Plusieurs aspects de cette œuvre sont souvent mal compris, et il est utile de les connaître car ils modifient la lecture de l'image.

Ce n'est pas un tsunami. Il s'agit d'une okinami, une grande vague en haute mer — le genre qui menaçait régulièrement les bateaux dans la baie de Sagami. Le drame est lié aux dangers du travail quotidien, et non à une catastrophe naturelle.

Les bateaux sont des navires de livraison. Ce sont des oshiokuri-bune, des bateaux rapides transportant du poisson frais vers les marchés d'Edo. On voit huit rameurs accroupis dans chacun d'eux. Ce ne sont pas des figures héroïques luttant contre la mer ; ce sont des travailleurs pris dans la tempête, faisant leur travail.

Le mont Fuji est le sujet. Il se tient, petit et immobile, au centre de la composition, encadré par la courbe de la vague. La série entière traite du Fuji, et la vague est un outil pour le contempler. Une fois que l'on voit la montagne comme le sujet et la vague comme le cadre, l'image se réorganise.

Les griffes sont délibérées. L'écume se décompose en formes évoquant des doigts qui se dirigent vers les bateaux — une stylisation, non une observation, ce qui donne à l'image un aspect menaçant plutôt que simplement impressionnant.

Hokusai l'a signée « Hokusai, changeant son nom en Iitsu » — il a utilisé plus de trente noms au cours de sa carrière, les changeant à chaque étape de réinvention artistique. Il a écrit à la fin de sa vie que rien de ce qu'il avait produit avant ses soixante-dix ans n'avait de valeur, et que s'il pouvait vivre jusqu'à cent dix ans, chaque point et chaque ligne serait vivant. Il est mort à quatre-vingt-neuf ans, demandant, dit-on, cinq années de plus.

Le lien avec le bleu de Berlin

Il existe un détail qui est particulièrement plaisant pour une entreprise imprimant à Berlin.

Le bleu profond qui fait l'essence de la Grande Vague n'était pas un pigment japonais traditionnel. C'est du bleu de Prusse, le premier pigment synthétique moderne, découvert à Berlin vers 1706. Les artistes japonais le connaissaient sous le nom de bero-ai — une contraction de « bleu de Berlin » — et il est arrivé par les commerçants hollandais à Nagasaki, l'un des très rares canaux ouverts pendant la période de fermeture des frontières du Japon.

Les bleus japonais traditionnels provenaient de l'indigo et de la comméline, qui se décoloraient rapidement. Le bleu de Prusse, lui, ne bougeait pas. Intense et stable, il conservait sa profondeur pendant des décennies. Lorsqu'il est devenu abordable à la fin des années 1820, les imprimeurs s'en sont emparés, et une véritable mode pour les estampes dominées par le bleu a suivi.

La Grande Vague se situe juste au début de cette période. Ses bleus étaient, au sens littéral, une nouvelle technologie — un pigment industriel importé de Berlin, qui a transformé ce que les graveurs japonais pouvaient réaliser. Deux siècles plus tard, l'image est imprimée à Berlin, utilisant une autre technologie nouvelle, sur de l'érable canadien. Nous n'avions pas prévu cette symétrie, mais nous ne dirons pas que cela nous déplaît.

Cela explique aussi pourquoi l'œuvre est si facile à placer dans un intérieur moderne : ce bleu de Prusse est une couleur froide, profonde et stable qui se marie confortablement avec le gris, le béton, le blanc et le bois clair. Notre guide de décoration détaille ces associations de couleurs.

Utagawa Kuniyoshi : samouraïs et kabuki

Si Hokusai est le maître du paysage, Utagawa Kuniyoshi (1797–1861) est celui qui a créé des estampes bruyantes, denses et dramatiques — guerriers en plein combat, monstres, fantômes, héros tatoués. C'est l'artiste d'ukiyo-e dont l'influence est la plus directe sur les mangas modernes, le tatouage et le graphisme skateboard.

Samouraï Kuniyoshi — 140 €. Ce sont les estampes de guerriers de Kuniyoshi, les musha-e, qui ont fait sa réputation. Sa série révélatrice représentait les 108 héros d'un roman de hors-la-loi chinois, chacun représenté comme un combattant lourdement tatoué en plein mouvement violent. La série fut une sensation commerciale et aurait lancé une mode du tatouage à Edo. Les figures sont typiquement montrées au sommet de l'action, avec des étoffes et des cheveux jetés dans des motifs qui remplissent toute la page.

Diptyque Acteurs de Kabuki de Kuniyoshi — 230 €. Les estampes d'acteurs, yakusha-e, étaient la photographie de célébrités d'Edo : les fans achetaient des images de leurs interprètes de kabuki favoris dans leurs rôles célèbres, avec des tirages assez importants pour en faire un média véritablement populaire.

Il y a une belle anecdote à ce sujet. Dans les années 1840, les réformes Tenpō interdirent les estampes d'acteurs et de courtisanes, jugées comme des luxes moralement corrupteurs. La réponse de Kuniyoshi fut de continuer à les créer sous forme déguisée — les acteurs représentés en animaux, en poissons rouges, en figures historiques ou en graffitis — afin que tout le monde reconnaisse l'interprète alors que l'estampe représentait techniquement autre chose. C'est une réponse punk directe à la censure dès 1843, ce qui explique pourquoi son travail semble si contemporain aujourd'hui.

Sakura et koï : les pièces à motifs

Deux pièces de la gamme fonctionnent autour de motifs plutôt que d'une estampe historique nommée, et toutes deux portent des significations qu'il vaut mieux connaître avant de les accrocher.

Diptyque Sakura Bloom — 230 €. Dans l'art japonais, la fleur de cerisier n'est jamais purement décorative. Elle porte en elle le mono no aware, la conscience de l'impermanence et la douce tristesse qui l'accompagne. La fleur compte précisément parce qu'elle ne dure qu'une semaine : la pratique annuelle du hanami, s'asseoir sous les arbres pendant leur floraison, est une rencontre programmée avec l'éphémère.

En pratique, c'est la pièce la plus calme de la gamme japonaise et la plus facile à vivre. Des roses et blancs pâles sur un fond doux, pas de point focal agressif, rien pour troubler une chambre à coucher. Si les Amandiers en fleurs sont le choix occidental pour une pièce reposante, le Sakura en est son pendant direct — les deux ne sont d'ailleurs pas sans lien, puisque Van Gogh travaillait sous une forte influence japonaise lorsqu'il peignait des fleurs contre un ciel bleu plat.

Vagues de carpes koï — 140 €. Les koï portent une signification précise plutôt que générale : la persévérance face à l'adversité. Cela vient de la légende chinoise de la Porte du Dragon, dans laquelle une carpe qui réussit à remonter une cascade est transformée en dragon. Le poisson est devenu un symbole standard de détermination, et au Japon, les manches à air en forme de carpe pour la fête des enfants portent exactement ce vœu.

Cela en fait l'une des rares pièces du catalogue à être un cadeau parfaitement approprié pour quelqu'un qui entreprend une tâche difficile — une nouvelle entreprise, un diplôme, une convalescence. Notre guide cadeaux aide à associer l'œuvre à l'occasion plus largement.

Pourquoi le format diptyque est historiquement correct

C'est ce point qui fait que la gamme japonaise s'adapte mieux à ce support que toute autre catégorie que nous imprimons, et ce n'est pas un argument marketing — c'est ainsi que ces estampes étaient réellement publiées.

L'ukiyo-e était produit dans des tailles de papier standard, la plus courante étant l'ōban, environ 39 × 26 cm. Lorsqu'un créateur voulait une composition plus large, la solution n'était pas une feuille plus grande. C'étaient deux ou trois feuilles ōban conçues comme une image unique et continue, imprimées séparément et exposées ensemble. Les diptyques et triptyques faisaient partie du vocabulaire courant, particulièrement pour les scènes de bataille, les panoramas de théâtre et les paysages nécessitant de la largeur.

Ce qui signifie qu'une estampe japonaise répartie sur deux panneaux avec un espace entre eux n'est pas un compromis imposé par la forme du skateboard. C'est l'agencement utilisé par la tradition elle-même, pour la même raison : l'image demandait à être plus large qu'une seule feuille.

Le problème de l'alignement est également le même. Un triptyque d'ukiyo-e exigeait que chaque feuille soit imprimée de manière à ce que les lignes se poursuivent correctement à travers la jointure, en utilisant des repères de calage appelés kentō gravés dans chaque bloc. Un diptyque de skateboard exige la même discipline dans le fichier d'impression, et il s'accroche avec un espace fixe de 5 cm pour la même raison — l'image est conçue autour de cet espacement. Changez-le et la composition s'étire. Notre guide des dimensions couvre les mesures : un diptyque s'étend sur 45 × 85 cm, ce qui convient à un canapé trois places standard ou à un lit king size.

Quelle pièce pour quelle pièce

Deux notes sur le placement. La Grande Vague est la pièce la plus facile à placer que nous vendions. Sa palette est froide et limitée, sa composition est équilibrée, et elle possède suffisamment de poids culturel pour fonctionner dans un cadre professionnel sans avoir l'air d'un manifeste. Si vous voulez une pièce qui ne détonne avec rien, c'est celle-ci.

Kuniyoshi a besoin d'espace pour s'exprimer. Les estampes de guerriers et d'acteurs sont denses, très contrastées et pleines de mouvement. Dans une pièce minimaliste aux tons pâles, elles dominent tout ; contre un mur sombre, des briques apparentes ou dans un couloir de passage, elles sont superbes.

La gamme japonaise convient également au style d'intérieur parfois appelé Japandi — le croisement entre la retenue japonaise et le minimalisme scandinave des bois clairs. Ici, le chant en érable naturel de la planche cesse d'être accessoire et devient une partie intégrante de son efficacité : le grain du bois exposé et l'imprimé appartiennent à la même logique visuelle.

Droits d'auteur et domaine public

Hokusai est mort en 1849 et Kuniyoshi en 1861. Le droit d'auteur sur une œuvre artistique dure généralement 70 ans après la mort de l'auteur dans l'UE et au Royaume-Uni. Ces œuvres sont donc dans le domaine public depuis bien avant l'existence des lois modernes sur le droit d'auteur. La reproduction, l'impression et la vente de ces reproductions ne nécessitent aucune autorisation ni aucun paiement de redevances — c'est sur la même base que le British Museum et le Met vendent des estampes issues de leurs propres collections d'ukiyo-e.

Deux qualifications, les mêmes que celles qui s'appliquent à notre gamme classique. Une photographie moderne d'une estampe originale peut faire l'objet de son propre droit d'auteur si le photographe a fait des choix créatifs originaux, et les noms et logos des musées restent des marques déposées, quel que soit l'âge de l'œuvre. Nous préparons nos propres fichiers de reproduction et n'utilisons aucune marque de musée.

Les pièces sakura et koi constituent un cas différent : il s'agit d'œuvres à motifs dans un style japonais plutôt que de reproductions d'estampes historiques spécifiques, de sorte qu'aucune question d'attribution ne se pose.

Et la règle s'applique également dans l'autre sens. Les estampes japonaises du XXe siècle — les mouvements shin-hanga et sōsaku-hanga — sont fréquemment encore sous droit d'auteur, et nous ne les imprimons pas, quelle que soit la demande pour ce travail.

Questions fréquentes

Qu'est-ce que l'ukiyo-e ?

L'ukiyo-e se traduit approximativement par « images du monde flottant », le monde flottant étant les quartiers de plaisir d'Edo — théâtres, maisons de thé et quartiers de divertissement — et par extension l'idée de vivre dans le présent transitoire. Il fait référence aux estampes japonaises sur bois produites principalement entre le XVIIe et le XIXe siècle, représentant des acteurs de kabuki, des courtisanes, des lutteurs de sumo, des histoires de fantômes, des paysages et des voyages. Elles étaient réalisées en collaboration par un artiste, un graveur, un imprimeur et un éditeur, dans de grandes éditions commerciales vendues à bas prix aux gens ordinaires. Une seule estampe coûtait à peu près le prix d'un bol de nouilles. Le langage visuel — zones de couleur plates, contours noirs marqués et composition audacieuse simplifiée — s'est développé directement à partir des contraintes liées à la gravure d'un bloc séparé pour chaque couleur.

La Grande Vague au large de Kanagawa est-elle un tsunami ?

Non. Elle représente une okinami, une grande vague au large du type de celles qui menaçaient régulièrement les bateaux dans la baie de Sagami, et non un tsunami. Les bateaux sont des oshiokuri-bune, des navires rapides transportant du poisson frais vers les marchés d'Edo, chacun avec environ huit rameurs accroupis à plat contre la coque. Ce sont des travailleurs pris dans les intempéries plutôt que des figures héroïques luttant contre la mer. Il convient également de noter que le mont Fuji, petit et immobile au centre de la composition, est le véritable sujet : l'estampe est une feuille de la série de Hokusai « Trente-six vues du mont Fuji », publiée vers 1831, et la vague fonctionne comme un cadre pour la montagne. Les formes en forme de griffes dans l'écume sont une stylisation délibérée plutôt qu'une observation.

Pourquoi la Grande Vague est-elle bleue ?

Le bleu profond est le bleu de Prusse, le premier pigment synthétique moderne, découvert à Berlin vers 1706 et connu des artistes japonais sous le nom de bero-ai, une contraction de « bleu indigo de Berlin ». Il est arrivé au Japon par l'intermédiaire des marchands néerlandais à Nagasaki, l'un des rares canaux ouverts pendant la période de fermeture des frontières. Les bleus japonais traditionnels provenaient de l'indigo et de la comméline et s'effaçaient tous deux rapidement, alors que le bleu de Prusse était intense, stable et conservait sa profondeur pendant des décennies. Lorsqu'il est devenu abordable à la fin des années 1820, les graveurs l'ont adopté rapidement et une mode pour les estampes à dominante bleue a suivi. La Grande Vague se situe au début de cette période, ce qui signifie que sa couleur était effectivement une nouvelle technologie importée au moment de sa création.

Les estampes japonaises sur bois étaient-elles réalisées sous forme de diptyques et de triptyques ?

Oui, régulièrement. L'ukiyo-e était produit dans des formats de papier standard, le plus courant étant l'ōban, mesurant environ 39 × 26 cm. Lorsqu'un concepteur souhaitait une composition plus large, la solution n'était pas une feuille plus grande mais deux ou trois feuilles ōban conçues comme une seule image continue, imprimées séparément et exposées ensemble. Les diptyques et triptyques faisaient partie intégrante du vocabulaire des formats, en particulier pour les scènes de bataille, les panoramas de théâtre et les grands paysages. L'alignement à travers la jointure était géré avec des repères d'enregistrement appelés kentō gravés sur chaque bloc. C'est pourquoi une estampe japonaise répartie sur deux planches de skateboard est historiquement appropriée plutôt qu'un compromis : la tradition utilisait déjà exactement cet arrangement, pour la même raison.

Qui était Utagawa Kuniyoshi ?

Utagawa Kuniyoshi (1797–1861) était l'artiste d'ukiyo-e connu pour ses estampes denses et spectaculaires de guerriers, de monstres, de fantômes et d'acteurs de kabuki, et son influence est visible dans les mangas modernes, le tatouage et les graphismes de skate. Sa percée fut une série représentant les 108 héros d'un roman chinois de hors-la-loi sous les traits de combattants lourdement tatoués en plein mouvement violent, ce qui aurait suscité une mode pour le tatouage à Edo. Lorsque les réformes Tenpō des années 1840 ont interdit les estampes d'acteurs et de courtisanes jugées moralement corrompues, Kuniyoshi a continué à les réaliser sous couverture — des acteurs représentés en animaux, poissons rouges, personnages historiques ou graffitis grossiers — de sorte que le public reconnaissait l'interprète alors que l'estampe montrait techniquement autre chose.

Que signifie la fleur de cerisier dans l'art japonais ?

La fleur de cerisier porte le mono no aware, la conscience de la transiété et la douce tristesse qui l'accompagne. La fleur est significative précisément parce qu'elle dure environ une semaine, et la pratique annuelle du hanami — s'asseoir sous les arbres pendant leur floraison — équivaut à une rencontre programmée avec l'impermanence. Elle n'est jamais purement décorative dans l'art japonais. En pratique, les pièces sakura sont parmi les plus apaisantes disponibles pour les intérieurs : des roses et des blancs pâles sur un fond doux, sans point focal fort exigeant l'attention, ce qui les rend bien adaptées aux chambres et aux pièces calmes où une image à fort contraste serait agitée.

Résumé de l'article

deckarts imprime de l'ukiyo-e japonais sur de l'érable canadien de classe A, avec des unités simples de 85 × 20 cm pour 140 € et des diptyques de 45 × 85 cm pour 230 €. La gamme couvre La Grande Vague au large de Kanagawa de Hokusai, les estampes de samouraïs et d'acteurs de kabuki d'Utagawa Kuniyoshi, ainsi que des pièces à motifs sakura et koi. L'ukiyo-e convient au format pour deux raisons. Premièrement, il s'agissait d'un art populaire produit en masse et abordable plutôt que d'une peinture d'élite — vendu à bas prix dans les rues d'Edo — donc le reproduire sur un objet en bois bon marché perpétue plutôt qu'il ne subvertit ce qu'il était. Deuxièmement, l'ukiyo-e était régulièrement publié sous forme de diptyques et de triptyques, avec plusieurs feuilles de taille standard conçues comme une seule image continue et alignées à l'aide de repères d'enregistrement, ce qui est exactement le fonctionnement d'un ensemble de planches multi-panneaux. La Grande Vague représente une vague au large plutôt qu'un tsunami, avec le mont Fuji comme véritable sujet, et son célèbre bleu est du bleu de Prusse importé de Berlin et connu au Japon sous le nom de bero-ai. La couleur plate et le contour marqué signifient que ces estampes survivent mieux à la reproduction que presque n'importe quelle peinture occidentale. Tous les artistes de la gamme sont décédés au XIXe siècle, l'œuvre est donc dans le domaine public.

À propos de l'auteur

Stanislav Arnautov est le fondateur de deckarts, graphiste et spécialiste de l'impression originaire d'Ukraine, désormais basé à Berlin, où il conçoit et prépare personnellement chaque planche. Suivez son travail sur Instagram ou sur stasarnautov.com.