Art pour skateboard de Klimt : Le guide complet de chaque planche

Dernière mise à jour : juillet 2026 · Par Stanislav Arnautov · Berlin · 16 min de lecture

Gustav Klimt (1862–1918) est le peintre que l'on choisit pour donner du cachet à une pièce. Ce n'est pas une critique. Klimt a bâti son style mature autour de l'or véritable — de la feuille d'or appliquée directement sur la toile — et l'effet qu'il a conçu fonctionne toujours : une surface qui change au gré de la lumière et qui irradie de chaleur tout ce qui l'entoure.

C'est précisément cette propriété qui fait que le travail de Klimt s'adapte si bien à l'érable. Le bois est naturellement chaleureux. L'or sur bois renforce cet effet. Là où une peinture aux tons froids peut sembler déplacée sur un panneau de bois, la palette de Klimt et le support vont dans la même direction.

Ce guide couvre les trois œuvres de Klimt présentes dans notre catalogue : ce qu'elles représentent, le lieu où se trouvent les originaux, les pièces et les palettes auxquelles elles conviennent, ainsi que les questions pratiques — dimensions, droits d'auteur, longévité de l'impression — à se poser avant tout achat.

La phase dorée de Klimt : d'où vient l'or

Le père de Klimt, Ernst Klimt, était graveur sur or. Ce n'est pas là un détail biographique décoratif — c'est l'explication complète. Klimt a grandi entouré du travail de l'or en tant qu'artisanat ; il le concevait comme un matériau plutôt que comme un symbole. Lorsqu'il l'a utilisé dans sa propre peinture vers 1899, il revenait à quelque chose qu'il avait vu faire depuis son enfance.

La période allant approximativement de 1899 à 1910 est connue sous le nom de Phase dorée, et c'est elle qui a produit la quasi-totalité de ses œuvres les plus célèbres. Un voyage à Ravenne en 1903, où il découvrit les mosaïques byzantines du VIe siècle de San Vitale avec leurs fonds d'or plats, a confirmé cette orientation. La mosaïque byzantine n'utilise pas l'or pour représenter la lumière, mais pour abolir la profondeur, remplaçant le ciel ou l'arrière-plan par un champ qui reflète la lumière réelle de la pièce. Klimt a directement adopté cette idée.

C'est pourquoi un Klimt est différent d'une peinture qui contient simplement du jaune. L'or dans l'original est une surface réfléchissante qui réagit à la lumière ambiante, raison pour laquelle les photographies des peintures de Klimt ne parviennent jamais tout à fait à les restituer. Sur une reproduction imprimée, cette réflectivité ne peut être reproduite littéralement, mais ses conséquences compositionnelles, elles, le peuvent. Klimt construisait des arrière-plans plats, ornés et non illusionnistes autour de figures solides, et cette structure survit intacte à la reproduction.

Il fut également l'un des fondateurs et le premier président de la Sécession viennoise (créée en 1897), le groupe qui rompit avec l'establishment artistique conservateur autrichien sous la devise gravée au-dessus de leur hall d'exposition : « À chaque âge son art, à l'art sa liberté ». Klimt n'était pas un décorateur qui créait de jolies choses par hasard. Il était la figure de proue d'une révolte délibérée.

Le triptyque L'Arbre de vie — 310 €

L'Arbre de vie fait partie de la Frise Stoclet, conçue par Klimt entre 1905 et 1911 pour la salle à manger du Palais Stoclet à Bruxelles, un hôtel particulier construit par l'architecte Josef Hoffmann pour l'industriel Adolphe Stoclet. La frise achevée fut réalisée en incrustations de marbre, de verre, de céramique et de métal plutôt qu'en peinture. Les cartons préparatoires grandeur nature de Klimt — les œuvres que la plupart des gens connaissent sous le nom de « L'Arbre de vie de Klimt » — sont conservés au MAK, le Musée des arts appliqués de Vienne.

Son motif central est un arbre doré en spirale dont les branches s'enroulent en volutes serrées sur toute la surface, avec une figure féminine d'un côté et un couple enlacé de l'autre. Les spirales sont tout l'intérêt : elles sont simultanément des branches, un motif décoratif et une évocation de l'œil d'un oiseau ou d'un serpent, Klimt refusant de trancher. L'arbre est un symbole de vie issu d'une tradition présente dans l'iconographie nordique, égyptienne, persane et chrétienne, mais Klimt en dépouille les spécificités religieuses pour n'en garder que la structure.

Pourquoi cela fonctionne en triptyque. La Frise Stoclet a été conçue comme une bande horizontale courant le long d'un mur — une frise, par définition, est plus longue que haute. Divisée sur trois planches verticales, elle se présente comme une œuvre de 70 × 85 cm.

Où l'installer. C'est la pièce deckarts idéale pour une pièce avec des tons boisés chauds, des garnitures en laiton, du cuir ou des murs sombres. L'or ne contraste pas avec le noyer ou le chêne ; il les prolonge. C'est le choix à faire si votre salon semble un peu froid ou plat, car l'or à cette échelle est le moyen le plus rapide d'ajouter une impression de chaleur sans repeindre. L'emplacement idéal est au-dessus d'un canapé trois places.

Le Baiser — 140 €

Peint en 1907–1908, huile et feuille d'or sur toile, 180 × 180 cm, conservé à l'Österreichische Galerie Belvedere de Vienne, où il est l'objet le plus visité de la collection. Il s'agit de l'œuvre emblématique de la Phase dorée et probablement de la peinture la plus reproduite du XXe siècle.

La composition mérite d'être examinée attentivement, car notre familiarité avec l'œuvre a tendance à l'aplatir. Deux figures s'agenouillent au bord d'une prairie fleurie qui s'arrête brusquement — le sol prend fin, et au-delà, il n'y a rien d'autre que de l'or. Le couple est enveloppé dans une unique robe dorée qui les fusionne en une seule forme, mais les motifs à l'intérieur de cette forme se divisent nettement : rectangles et géométrie rigide du côté de l'homme, cercles et formes florales douces du côté de la femme. L'unité réside dans le contour ; la différence réside dans l'intérieur.

L'autre détail qui échappe souvent est celui des pieds de la femme, qui se recourbent au bord de la prairie, au-dessus du vide. Quoi que représente Le Baiser, il place son étreinte précisément au bord d'un précipice. La peinture n'est pas seulement romantique — elle est à la fois romantique et précaire, ce qui explique pourquoi elle a survécu à un siècle d'impressions sur tous les supports possibles.

Où l'installer. En tant que planche unique de 85 cm, elle convient parfaitement à une chambre, un mur étroit, au-dessus d'une coiffeuse ou d'une commode. C'est l'une des rares œuvres figuratives qui se prête bien à une chambre, car les visages sont tournés vers l'intérieur plutôt que vers le spectateur — aucun regard ne croise le vôtre. C'est aussi un cadeau idéal pour un mariage, un anniversaire ou une pendaison de crémaillère.

Judith I — 140 €

Peint en 1901, huile et or sur toile, 84 × 42 cm, également au Belvedere de Vienne. Il s'agit de la plus ancienne des trois œuvres présentées ici, et de la plus intense.

Le sujet est la Judith biblique, qui a sauvé la ville de Béthulie en s'introduisant dans la tente du général assyrien Holopherne pour le décapiter. Dans des siècles de peinture européenne, Judith est représentée comme une héroïne sombre accomplissant un terrible devoir civique. Klimt, à l'inverse, la peint comme une Viennoise de 1901 portant un ras-de-cou doré, les yeux mi-clos, la bouche entrouverte, dans une expression de triomphe indéniable — avec la tête d'Holopherne repoussée presque hors du cadre en bas à droite, si facile à manquer que la peinture fut cataloguée pendant des décennies comme « Salomé » par ceux qui ne prenaient pas le temps de regarder.

C'était là la provocation. Klimt a pris une figure morale pour la peindre en femme prenant du plaisir, arborant des bijoux contemporains dans une ville obsédée par la bienséance. Le ras-de-cou doré est le détail qui ancre l'œuvre dans la Vienne de 1901 plutôt que dans le monde antique. Judith I est l'œuvre qui montre les enjeux réels de la Sécession viennoise.

Où l'installer. Ses proportions originales hautes et étroites (84 × 42 cm) en font l'œuvre la plus adaptée des trois pour une planche verticale. Elle convient à un couloir, un bureau, ou un mur étroit à côté d'une porte, et elle se marie parfaitement à une pièce aux tons verts, neutres profonds ou au bois foncé. Comme les autres planches uniques, elle fonctionne également très bien en arrière-plan d'appels vidéo, où la force du visage ressort bien même à basse résolution.

Quel Klimt pour quelle pièce

La logique de dimensionnement est la même que pour tout objet décoratif mural : l'œuvre doit occuper environ les deux tiers de la largeur du meuble situé en dessous. Un canapé trois places de 200–220 cm appelle le triptyque. Une commode, un bureau ou un mur étroit appellent une planche unique. Notre guide de décoration pièce par pièce traite ce sujet en détail, et le guide de montage couvre les hauteurs, l'espacement et les fixations.

Si vous hésitez entre Le Baiser et Judith I, la différence réside dans l'ambiance plutôt que dans la qualité. Le Baiser est chaleureux, enveloppant et facile à vivre. Judith I possède un côté piquant et convient à une pièce où vous souhaitez apporter une touche de provocation — comme un bureau plutôt qu'une chambre.

Associer Klimt à votre intérieur

L'or est la couleur la plus dépendante du contexte en art. Bien utilisé, il évoque la chaleur et la profondeur ; mal utilisé, il n'est que pure ornementation. La différence dépend presque entièrement de la présence de métaux chauds ou de bois chaleureux dans la pièce.

Où Klimt est une évidence. Dans les pièces avec des meubles en noyer, chêne ou teck ; des garnitures en laiton ou bronze ; du cuir ; des murs vert foncé, bleu profond ou anthracite. Dans tous ces cas, l'or a un écho, prolongeant une chaleur existante plutôt que d'introduire une note étrangère. Klimt est également particulièrement efficace dans les pièces peu lumineuses, car la palette dorée compense le manque de lumière du jour.

Où Klimt demande de l'attention. Les intérieurs froids, minimalistes, gris et blancs. L'or peut y fonctionner — une seule pièce riche en or dans un intérieur froid peut constituer un accent délibéré très efficace — mais il doit être unique, et cela fonctionne mieux si vous rappelez cette teinte avec un autre objet : une lampe en laiton, un coussin aux tons chauds, un bol en bois. Sans cet écho, l'or reste isolé et fait office de décoration plutôt que de design.

Où l'éviter. Dans une pièce qui contient déjà plusieurs éléments en or ou laiton en compétition, associés à des textiles à motifs. Klimt lui-même est fortement orné ; deux motifs chargés dans une même pièce s'annulent.

Une dernière note sur les associations. Klimt et Van Gogh ne se marient pas bien sur un même mur — tous deux sont maximalistes, tous deux veulent être le point focal, et leurs palettes s'affrontent. Si vous souhaitez exposer deux artistes dans la même pièce, placez-les sur des murs différents ou choisissez un contrepoint plus calme, comme la graphique et épurée Grande Vague de Hokusai, dont la retenue offre un repos visuel.

Droits d'auteur : pourquoi les impressions de Klimt sont légales

Gustav Klimt est décédé en février 1918. En règle générale, le droit d'auteur sur une œuvre artistique expire 70 ans après le décès de l'auteur dans l'UE et au Royaume-Uni, ce qui signifie que les œuvres de Klimt sont tombées dans le domaine public depuis des décennies. La reproduction, l'impression et la vente de reproductions de ses tableaux ne nécessitent aucune autorisation ni redevance — c'est sur cette même base que le Belvedere vend des impressions du Baiser dans sa propre boutique.

Deux aspects restent protégés et méritent d'être distingués. Une photographie moderne d'un tableau peut faire l'objet d'un droit d'auteur propre si le photographe a fait des choix créatifs originaux, et les noms, logos et marques des musées restent protégés, indépendamment de l'âge de l'œuvre. deckarts prépare ses propres fichiers de reproduction et n'utilise aucune marque de musée.

Nous appliquons la même rigueur dans l'autre sens. Les artistes décédés plus récemment restent protégés par le droit d'auteur, et nous n'imprimons pas ces œuvres, quelle que soit la demande. Les artistes contemporains indépendants du catalogue font l'objet d'un traitement différent : ils sont vivants, crédités par leur nom, et chaque planche est produite selon un accord avec eux.

Pour l'aspect pratique de la possession — le comportement de l'impression UV dans le temps, la raison de l'utilisation de l'érable canadien de classe A, et comment accrocher une planche sans l'endommager — tous les détails se trouvent dans notre guide Van Gogh et dans le guide principal de décoration murale en skateboard.

Questions fréquentes

Le travail de Klimt est-il dans le domaine public ?

Oui. Gustav Klimt est décédé en février 1918. Le droit d'auteur sur une œuvre artistique dure généralement toute la vie de l'auteur plus 70 ans dans l'UE et au Royaume-Uni, de sorte que ses tableaux sont entrés dans le domaine public depuis des décennies. La reproduction, l'impression, l'adaptation et la vente de reproductions ne nécessitent aucune autorisation ni redevance — c'est la même base légale sur laquelle le Belvedere de Vienne vend des impressions du Baiser dans sa boutique de musée et sur laquelle les éditeurs produisent des livres d'art sur Klimt. Deux choses restent protégées et méritent d'être distinguées : une photographie moderne d'un tableau peut faire l'objet de son propre droit d'auteur si le photographe a fait des choix créatifs originaux, et les noms, logos et marques des musées restent des marques déposées quel que soit l'âge de l'œuvre. deckarts prépare ses propres fichiers de reproduction et n'utilise aucune image de marque de musée.

Quel tableau de Klimt convient à une chambre ?

Le Baiser est le choix naturel, et c'est l'une des rares œuvres figuratives qui fonctionne réellement au-dessus d'un lit. La raison est la composition : les deux visages sont tournés vers l'intérieur l'un vers l'autre plutôt que vers le spectateur, il n'y a donc pas de regard croisant le vôtre — ce qui est la qualité qui rend la plupart des portraits inconfortables dans une chambre. Sa palette dorée et florale se marie aussi très bien avec des murs crème, blush, terre cuite et des tons neutres chauds. En tant que planche unique de 85 × 20 cm, elle convient à un mur étroit, à l'espace au-dessus d'une commode ou d'un coffre, plutôt qu'au mur de la tête de lit, qui appellerait un triptyque. Judith I, en revanche, est mieux placée dans un bureau ou un couloir, car son expression porte une tension délibérée.

Pour quelle pièce L'Arbre de vie de Klimt est-il le plus adapté ?

Un salon avec des matériaux chaleureux — meubles en noyer, chêne ou teck, garnitures en laiton ou bronze, cuir, ou des murs vert foncé, bleu profond et anthracite. L'or a besoin d'un écho dans la pièce, et dans ces décors, il accentue une chaleur existante plutôt que d'introduire une note étrangère. « L'Arbre de Vie » est également particulièrement efficace dans les pièces manquant de lumière naturelle, car la palette dorée accomplit une partie du travail que la lumière du jour ne peut assurer. En triptyque de 70 × 85 cm, il fonctionne comme un point focal centré au-dessus d'un canapé trois places. Là où il demande plus de précautions, c'est dans un intérieur minimaliste gris et blanc froid, où il peut toujours faire office d'accent unique délibéré, mais bénéficie de la présence d'un autre objet chaleureux dans la pièce, tel qu'une lampe en laiton ou un bol en bois.

Quelle est l'histoire derrière « Judith I » de Klimt ?

« Judith I », peint en 1901 et conservé au Belvedere à Vienne, dépeint la figure biblique de Judith, qui sauva la ville de Béthulie en s'introduisant dans la tente du général assyrien Holopherne pour le décapiter. Pendant des siècles, les peintres européens l'ont représentée comme une héroïne sinistre accomplissant un devoir terrible. Klimt, en revanche, l'a peinte comme une femme viennoise de 1901 portant un collier ras-du-cou en or, les yeux mi-clos, dans une expression de triomphe indéniable, avec la tête d'Holopherne poussée si loin dans le coin inférieur que le tableau a été catalogué pendant des décennies comme « Salomé » par ceux qui ne regardaient pas attentivement. C'était là la provocation : un modèle moral peint sous les traits d'une femme prenant du plaisir, arborant des bijoux contemporains, dans une ville obsédée par la bienséance.

Pourquoi Klimt utilisait-il de l'or dans ses peintures ?

Le père de Klimt, Ernst Klimt, était graveur sur or ; Klimt a donc grandi en observant le travail de l'or en tant que matériau artisanal plutôt qu'en le percevant comme un symbole. Il a commencé à appliquer de la feuille d'or directement sur la toile vers 1899, entamant ce qu'on appelle aujourd'hui sa « phase dorée », qui s'est étendue jusqu'en 1910 environ et a produit la quasi-totalité de ses œuvres les plus célèbres. Une visite à Ravenne en 1903, où il a découvert les mosaïques byzantines du VIe siècle de San Vitale avec leurs fonds dorés plats, a confirmé cette approche. La mosaïque byzantine n'utilise pas l'or pour représenter la lumière, mais pour abolir la profondeur, remplaçant l'espace d'arrière-plan par un champ qui reflète la lumière réelle de la pièce, et Klimt a adopté cette logique directement — c'est pourquoi ses arrière-plans sont plats et décoratifs plutôt qu'illusionnistes.

Quelle est la taille d'une planche de skateboard Klimt ?

Une planche unique, comme « Le Baiser » ou « Judith I », mesure 85 × 20 cm et pèse environ 1 à 1,5 kg. Le triptyque « L'Arbre de Vie » se compose de trois planches suspendues côte à côte avec des espaces de 5 à 10 cm, pour une taille totale de 70 × 85 cm. Le triptyque est le format le plus grand et convient parfaitement à un canapé trois places comme point focal centré, tandis qu'une commode, un bureau ou un mur étroit appelle une planche unique. Chaque planche est livrée avec les huit trous pour les trucks déjà percés, ce qui permet à un support mural conçu à cet effet de la fixer à plat avec deux vis, ou à un support au sol de l'exposer sans aucun trou.

Résumé de l'article

deckarts imprime trois œuvres de Gustav Klimt sur de l'érable canadien de grade A à Berlin. Le triptyque « L'Arbre de Vie » (310 €, 70 × 85 cm) provient de la Frise Stoclet conçue entre 1905 et 1911 pour un hôtel particulier bruxellois, dont les cartons originaux sont conservés au MAK à Vienne ; c'est le meilleur choix pour les pièces avec du noyer, du chêne, du laiton, du cuir ou des murs sombres. « Le Baiser » (140 €, planche unique) a été peint entre 1907 et 1908 à l'huile et à la feuille d'or et est exposé au Belvedere à Vienne ; comme les deux visages se tournent vers l'intérieur plutôt que vers le spectateur, c'est l'une des rares œuvres figuratives qui s'intègre parfaitement dans une chambre à coucher. « Judith I » (140 €, planche unique), peinte en 1901 et également au Belvedere, représente l'héroïne biblique comme une femme viennoise triomphante de 1901 et convient à un bureau, une entrée ou un espace de travail à domicile. La phase dorée de Klimt s'inspire du métier de son père, graveur sur or, et des mosaïques byzantines de Ravenne. Klimt est décédé en 1918, les trois œuvres sont donc dans le domaine public et leur reproduction est tout à fait légale.

À propos de l'auteur

Stanislav Arnautov est le fondateur de deckarts, graphiste et spécialiste de l'impression originaire de Donetsk, en Ukraine, désormais basé à Berlin, où il conçoit et prépare personnellement chaque planche. Suivez son travail sur Instagram ou sur stasarnautov.com.