Francisco Goya : Sourd à 46 ans et les Peintures noires qu'il a accrochées sur ses propres murs pour que personne ne les voie

Dernière mise à jour : mai 2026 · Par Stanislav Arnautov · Berlin

Francisco José de Goya y Lucientes (30 mars 1746 – 16 avril 1828) est l'artiste qui fait le pont entre les Maîtres Anciens et le monde moderne — le dernier grand peintre de cour de la tradition européenne et le premier artiste véritablement moderne, dont l'œuvre tardive anticipe le Romantisme, l'Expressionnisme et le Surréalisme d'un siècle. Sa carrière se divise en deux moitiés : le peintre de cour brillant et prospère de la couronne espagnole, et — après qu'une maladie catastrophique l'ait laissé profondément sourd vers 46 ans — l'artiste sombre, solitaire et visionnaire qui, dans ses dernières années, a couvert les murs de sa propre maison des images les plus troublantes de l'histoire de l'art occidental : les Peintures noires, dont Saturne dévorant l'un de ses fils. Il les a peintes pour personne, sur ses propres murs, et n'a jamais eu l'intention qu'elles soient vues. Au Museo del Prado, Madrid. DeckArts Berlin à partir d'environ 140 $.

Jeunesse et ascension au poste de peintre de cour

Goya est né le 30 mars 1746 à Fuendetodos, un petit village d'Aragon, en Espagne ; son père était doreur. Il a étudié à Saragosse et a voyagé en Italie jeune homme ; il est revenu en Espagne et a commencé sa carrière en concevant des cartons (peintures préparatoires grandeur nature) pour la Fabrique royale de tapisseries de Madrid — des scènes joyeuses et décoratives de la vie espagnole qui ont établi sa réputation. Son talent et son ambition l'ont porté régulièrement vers le haut de l'établissement artistique espagnol.

En 1786, il fut nommé peintre du roi Charles III ; en 1789, il devint peintre de cour (pintor de cámara) de Charles IV ; et en 1799, il atteignit le sommet de sa profession en tant que Premier Peintre de Cour (primer pintor de cámara), le poste le plus élevé disponible pour un peintre en Espagne. Il devint le portraitiste le plus recherché du pays, peignant la famille royale, l'aristocratie et l'élite intellectuelle. La première moitié de la carrière de Goya est l'histoire d'un peintre d'établissement brillamment réussi — ambitieux, mondain et au centre de la vie de cour espagnole. Rien dans cette première moitié ne prédit l'obscurité de la seconde. Voir : Musée du Prado, Madrid.

La maladie qui le rendit sourd à 46 ans

Au cours de l'hiver 1792-1793, alors que Goya avait environ 46 ans, il fut frappé par une maladie grave et mystérieuse qui faillit le tuer et le laissa profondément et définitivement sourd pendant les 35 années restantes de sa vie. La nature exacte de la maladie n'a jamais été établie ; la spéculation médicale moderne a proposé diverses hypothèses (empoisonnement au plomb de ses peintures, une infection virale, une maladie auto-immune telle que le syndrome de Susac, ou la syphilis), mais aucune n'est confirmée. Les symptômes enregistrés — paralysie partielle, vertiges, troubles de la vision et de l'équilibre, acouphènes et perte permanente de l'audition — indiquent un événement neurologique grave.

La surdité fut le tournant de la vie et de l'art de Goya. Coupé du monde sonore, de plus en plus isolé et confronté à sa propre mortalité, Goya se replia sur lui-même. Son art s'assombrit et s'approfondit : il commença à produire des œuvres intimes, imaginatives, souvent cauchemardesques, sans précédent dans sa carrière antérieure. Le premier produit majeur de ce tournant fut Los Caprichos (1799), une série de 80 gravures satiriques des folies, superstitions et corruptions de la société espagnole — dont la célèbre planche « Le sommeil de la raison produit des monstres » (El sueño de la razón produce monstruos), où une figure endormie est assaillie par des hiboux et des chauves-souris, avec l'inscription devenue la devise des Lumières noires : quand la raison dort, les monstres émergent. Le Goya sourd était désormais un artiste de l'obscurité intérieure autant que du monde extérieur. Voir : Romantisme et ténèbres intérieures.

Le peintre de cour qui peignit la vérité

Même au sommet de sa réussite à la cour, Goya était un peintre d'une honnêteté inébranlable. Son portrait de cour le plus célèbre, La Famille de Charles IV (1800-1801, Prado), est notoire pour son réalisme sans concession : la famille royale n'est pas représentée comme des monarques idéalisés et glorieux, mais comme des gens ordinaires, voire peu attrayants — le roi absent et corpulent, la reine au visage dur et dominante, toute la famille rendue avec une franchise qui a conduit certains à interpréter le tableau comme une satire subtile (le critique d'art Théophile Gautier a plus tard décrit la famille comme ressemblant au « boulanger du coin et à sa femme après avoir gagné à la loterie »). Goya s'est placé dans le tableau, dans l'ombre à gauche, travaillant sur sa toile — faisant écho aux Ménines de Velázquez, le grand précédent de l'artiste dans le portrait royal.

La volonté de Goya de peindre la vérité — la surdité l'ayant libéré, peut-être, du besoin de plaire — s'étendait à ses autres œuvres célèbres : les tableaux jumelés de la Maja (la Maja nue et la Maja vêtue), qui scandalisèrent l'Espagne et conduisirent Goya devant l'Inquisition ; les portraits sans concession de l'aristocratie ; et la satire sauvage de Los Caprichos. Goya était un peintre de cour qui n'appartint jamais pleinement à la cour — un libéral des Lumières dans une Espagne réactionnaire, hantée par l'Inquisition, peignant les puissants tout en enregistrant en privé leurs folies et l'obscurité du monde qui l'entourait. Voir : La tradition du portrait honnête.

Les Désastres de la guerre et le Trois Mai

La catastrophe historique déterminante de la vie adulte de Goya fut la guerre d'Espagne — le conflit brutal qui suivit l'invasion napoléonienne de l'Espagne en 1808, le soulèvement espagnol contre l'occupation française, et la guerre de guérilla et les représailles sauvages qui dévastèrent le pays jusqu'en 1814. Goya fut témoin de l'horreur de cette guerre, et elle produisit deux de ses œuvres les plus grandes et les plus sombres.

Les Désastres de la guerre (Los Desastres de la Guerra, c.1810-1820) est une série de 82 gravures documentant les atrocités de la guerre — mutilations, tortures, viols, famines, exécutions et l'effondrement de toute décence humaine — avec un réalisme inébranlable et anti-héroïque sans précédent dans l'histoire de l'imagerie de guerre. Il n'y a ni gloire, ni héroïsme, ni noblesse dans la guerre de Goya : seulement la souffrance, la brutalité et l'effondrement de la civilisation. Les gravures étaient si troublantes qu'elles ne furent publiées qu'en 1863, 35 ans après la mort de Goya. Le Trois Mai 1808 (1814, Prado) dépeint l'exécution par un peloton d'exécution français de civils espagnols qui s'étaient soulevés contre l'occupation — la figure centrale, les bras tendus dans une pose rappelant la crucifixion, illuminée par une lanterne, faisant face aux fusils mécaniques et sans visage du peloton d'exécution. C'est l'une des premières et des plus grandes peintures modernes de la réalité de la violence politique — une influence directe sur Manet, Picasso (Guernica) et toute la tradition moderne de l'image anti-guerre. Voir : La violence dans l'art : la tradition honnête.

La Quinta del Sordo : la villa du sourd

En 1819, alors que Goya avait 73 ans, il acheta une maison de campagne à la périphérie de Madrid, sur la rive opposée du fleuve Manzanares. La maison était déjà connue sous le nom de Quinta del Sordo — « La Villa du Sourd » — un nom qui, par coïncidence, faisait référence à un précédent propriétaire sourd, et non à Goya lui-même (bien que Goya, bien sûr, fût également sourd ; la coïncidence est l'un des détails étranges de l'histoire). Goya, désormais âgé, sourd, désillusionné par la réaction politique en Espagne (la monarchie absolutiste restaurée de Ferdinand VII avait écrasé les espoirs libéraux de la génération de Goya), et de plus en plus isolé, se retira dans cette maison avec sa compagne Leocadia Weiss (ou Zorrilla) et sa fille Rosario.

Entre environ 1819 et 1823, dans l'intimité de cette maison, Goya fit quelque chose d'inédit dans l'histoire de l'art : il couvrit les murs des deux pièces principales (les pièces du rez-de-chaussée et du premier étage) de quatorze grandes peintures, appliquées directement à l'huile sur le plâtre des murs. Ce sont les Peintures noires (Pinturas negras) — les œuvres les plus sombres, les plus étranges, les plus intimes et les plus troublantes de toute sa carrière, et parmi les images les plus extraordinaires de l'histoire de l'art occidental. Il les a peintes non pas pour un mécène, non pas pour une exposition, non pas pour la vente, mais pour lui-même, sur ses propres murs, dans sa propre maison. Il ne les a jamais intitulées, n'en a jamais écrit, ne les a jamais exposées, et n'a presque certainement jamais voulu que quiconque d'autre que lui (et sa maisonnée) les voie. C'est de l'art fait pour personne. Voir : La tradition de la chambre noire.

Les Peintures noires : l'art pour personne

Les quatorze Peintures noires sont unies par leur obscurité — de palette (dominée par les noirs, les bruns, les gris et les ocres, avec seulement des éclairs occasionnels de couleurs plus vives), de sujet (sorcellerie, folie, violence, peur, vieillesse, mort et désespoir), et d'ambiance (un pessimisme profond et incessant quant à la nature humaine et à la condition humaine). Elles incluent : Saturne dévorant l'un de ses fils ; le Sabbat des sorcières (le Grand Bouc) ; le Pèlerinage de San Isidro (une procession de visages grotesques et à moitié fous) ; Deux vieillards ; les Parques ; Judith et Holopherne ; le Chien (une seule petite tête de chien émergeant d'un champ écrasant d'ocre vide, l'une des images les plus énigmatiques et les plus modernes de tout l'art) ; et d'autres.

La qualité spécifique des Peintures noires : elles sont absolument sans consolation. Il n'y a ni rédemption, ni beauté, ni espoir, ni ordre — seulement l'obscurité de la condition humaine rendue avec une intensité brute, expressive, presque abstraite qui anticipe l'expressionnisme et l'art moderne d'un siècle. Ce sont les cauchemars privés d'un génie sourd, vieux et désillusionné, peints sur ses propres murs dans les années précédant sa mort. Le fait que Goya, l'un des artistes les plus réussis et les plus célèbres de son époque, ait choisi dans ses dernières années de couvrir ses propres murs de ces images — pour aucun public, aucun mécène, aucune vente — fait des Peintures noires l'un des actes d'expression artistique privée les plus extraordinaires de l'histoire. C'est le moment où l'art occidental s'est pleinement replié sur lui-même, vers l'obscurité de la psyché individuelle. Voir : Goya : Guide complet de Saturne.

Saturne dévorant l'un de ses fils : sur le mur de la salle à manger

Saturne dévorant l'un de ses fils (Saturno devorando a su hijo, vers 1819-1823) est la plus célèbre et la plus horrifiante des Peintures noires. Elle représente le dieu romain Saturne (le Cronos grec) qui, selon le mythe, dévorait ses propres enfants à la naissance en raison d'une prophétie selon laquelle l'un d'eux le renverserait. Le Saturne de Goya n'est pas une noble divinité classique mais une figure aux yeux écarquillés, émaciée et monstrueuse, émergeant des ténèbres, agrippant le corps sanglant et à moitié dévoré de son enfant et le fourrant dans sa bouche — une image d'horreur cannibale pure et folle, dénuée de toute dignité classique ou de distance mythologique.

Le fait le plus spécifique et le plus troublant concernant Saturne : Goya l'a peint sur le mur de sa salle à manger. L'image d'un dieu dévorant son propre enfant — l'image la plus extrême de consommation, du parent détruisant sa progéniture, de l'appétit transformé en horreur — était accrochée au mur où Goya prenait ses repas. Les interprétations spécifiques sont nombreuses : Saturne comme le Temps dévorant tout (l'allégorie classique) ; Saturne comme l'État espagnol réactionnaire dévorant son propre peuple ; Saturne comme la propre peur de l'artiste de la folie, de la mort et de la destruction de ses propres enfants créatifs ; Saturne comme une méditation sur l'appétit, la mortalité et l'obscurité à la racine de l'existence. Quelle que soit l'interprétation, le placement de l'image — sur le mur de la salle à manger, où la nourriture est consommée — lui confère une horreur spécifique, domestique et intime. Goya regardait cette image pendant qu'il mangeait. DeckArts reproduit Saturne sous forme de diptyque (environ 230 $). Voir : Voir Saturne chez DeckArts →

Du mur à la toile : comment les Peintures noires ont survécu

Les Peintures noires n'étaient jamais destinées à quitter les murs de la Quinta del Sordo, et leur survie est en soi une histoire remarquable. Goya quitta l'Espagne en 1824 (s'exilant volontairement à Bordeaux, en France, fuyant le régime répressif de Ferdinand VII), et mourut à Bordeaux en 1828. La maison et ses peintures murales passèrent entre les mains de divers propriétaires au cours des décennies suivantes.

Dans les années 1870, la maison appartenait à un banquier français, le baron Frédéric Émile d'Erlanger. Reconnaissant la valeur des peintures murales (la réputation de Goya avait considérablement augmenté à ce moment-là), d'Erlanger les fit transférer des murs en plâtre sur toile — un processus technique difficile et dommageable, effectué vers 1874 par le restaurateur Salvador Martínez Cubélls. Le transfert a inévitablement altéré les peintures (certaines zones ont été endommagées, perdues ou repeintes au cours du processus), de sorte que les Peintures noires que nous voyons aujourd'hui ne sont pas exactement telles que Goya les a laissées sur les murs. D'Erlanger les exposa à l'Exposition universelle de Paris de 1878 (où elles furent un échec commercial — trop sombres et dérangeantes pour les acheteurs) et en fit finalement don à l'État espagnol. Elles entrèrent au Prado en 1881, où elles demeurent — exposées ensemble dans une seule salle, les cauchemars privés de la Villa du Sourd, désormais l'une des salles les plus puissantes et les plus visitées du musée. Goya lui-même fut réinhumé à Madrid ; ses restes furent transférés de Bordeaux en 1899 à la Real Ermita de San Antonio de la Florida à Madrid (une chapelle dont Goya lui-même avait décoré le plafond à fresque). Voir : Musée du Prado, Madrid.

Goya pour la décoration intérieure

Le diptyque Goya Saturne (environ 230 $) représente l'art classique le plus sombre, le plus intense et le plus psychologiquement extrême de la gamme DeckArts. Ses qualités spécifiques en matière de décoration intérieure :

Le registre sombre, intense et psychologique. Saturne est l'image suprême de l'extrémité psychologique, de l'obscurité et de la confrontation avec l'abîme de la nature humaine. Pour une maison, une pièce ou une personne dont l'esthétique est sombre, intense, psychologique, gothique ou expressive, Saturne est l'art le plus intransigeant et le plus puissant de DeckArts. Il ne convient pas à tous les espaces — c'est une image délibérée, sérieuse et confrontante pour ceux qui veulent un art qui ne console pas mais qui confronte.

La palette presque noire. Les noirs, bruns et ocres dominants de Saturne, avec les éclairs de rouge (sang) et de blanc (les yeux sauvages, le corps pâle), exigent un mur sombre pour être pleinement efficaces : sur un fond presque noir ou un fusain très foncé, le fond sombre de la peinture se fond avec le mur, et Saturne émerge de l'obscurité comme si elle venait du mur lui-même — l'installation la plus puissante possible. L'image émerge de l'obscurité exactement comme elle a émergé du plâtre sombre du mur de la salle à manger de Goya.

Meilleures positions : Un bureau ou une bibliothèque sombre et académique (presque noir ou fusain très foncé) ; un intérieur dramatique, gothique ou expressif ; une collection d'art sérieuse d'un amateur d'art ; un espace où le propriétaire souhaite un art qui confronte plutôt que décore. Saturne est mieux comme une déclaration délibérée et sérieuse, dotée de son propre mur sombre et de son propre espace visuel — non pas entassée parmi des pièces plus claires et joyeuses. Voir Saturne chez DeckArts →

Quatre programmes complets de Goya

Programme 1 : L'étude sombre (environ 230 $)
Murs d'étude presque noirs ou très foncés (F&B Off-Black ou Railings) + diptyque Goya Saturne (environ 230 $) sur le mur principal + un spot directionnel unique de 2700K (faisceau étroit) + mobilier minimaliste, sombre et sérieux. Saturne émergeant du mur sombre comme il est sorti du plâtre de la salle à manger de Goya. « Goya a peint cela sur le mur de sa propre salle à manger, pour personne, dans les années précédant sa mort. » Art total : environ 230 $. Voir : Décoration de chambre Dark Academia 2026.

Programme 2 : Le couple romantique sombre (~370 $)
Murs presque noirs + diptyque Saturne de Goya (~230 $, l'horreur cannibale) + Le Cri en version unique (~140 $, Munch, l'anxiété existentielle). Deux images d'une extrémité psychologique : l'horreur de la Peinture noire + le cri proto-expressionniste. Les deux images les plus sombres de DeckArts, en dialogue délibéré. Art total : ~370 $. Voir : Munch : Biographie complète.

Programme 3 : La galerie sombre du baroque au moderne (~370 $)
Murs presque noirs ou vert forêt + diptyque Saturne de Goya (~230 $) + Méduse de Caravage en version unique (~140 $) dans une disposition de galerie. Deux programmes sombres, violents et ténébreux couvrant deux siècles : le choc baroque de Caravage (la Méduse décapitée) + l'horreur pré-moderne de Goya (le Saturne dévorant). La tradition sombre de 1597 à 1823. Art total : ~370 $. Voir : Caravage Méduse : Guide complet.

Programme 4 : La déclaration du collectionneur sérieux (~230 $)
Mur d'accentuation presque noir + diptyque Saturne de Goya (~230 $) bénéficiant de son propre espace visuel, sans aucune autre œuvre d'art concurrente, sous un seul spot à faisceau étroit de 2700K. La déclaration délibérée et intransigeante : l'image la plus psychologiquement extrême de l'art occidental, à laquelle on accorde la gravité et l'espace qu'elle exige. Art total : ~230 $.

FAQ

Qui était Francisco Goya ?

Francisco Goya (1746-1828) : Peintre espagnol qui fait le pont entre les Anciens Maîtres et le monde moderne — le dernier grand peintre de cour de la tradition européenne et le premier artiste véritablement moderne. Il est devenu Premier Peintre de Cour de la couronne espagnole (1799), peignant la famille royale avec une honnêteté sans faille (La Famille de Charles IV). Une maladie catastrophique l'a rendu profondément sourd vers 46 ans (1792-1793), rendant son art sombre et introspectif (Los Caprichos, 1799, incluant "Le Sommeil de la raison produit des monstres"). Il a documenté les horreurs de la Guerre d'indépendance espagnole (Les Désastres de la guerre ; Le Trois Mai 1808). Dans ses dernières années, dans sa maison la Quinta del Sordo (« La villa de l'homme sourd »), il a peint les 14 Peintures Noires directement sur les murs — y compris Saturne dévorant ses enfants, sur le mur de sa salle à manger — sans public. Il est mort en exil à Bordeaux en 1828. Les Peintures Noires ont été transférées sur toile dans les années 1870 et se trouvent maintenant au Prado. Diptyque Saturne de Goya chez DeckArts à partir de ~230 $. Voir : Musée du Prado, Madrid.

Pourquoi Goya a-t-il peint "Saturne dévorant ses enfants" sur le mur de sa salle à manger ?

Goya a peint Saturne (v.1819-1823) comme l'une des 14 Peintures noires appliquées directement sur les murs en plâtre de sa propre maison, la Quinta del Sordo, dans ses dernières années – sans mécène, sans exposition et sans vente, ne comptant presque certainement pas que d'autres que sa maisonnée les voient. Saturne était spécifiquement sur le mur de sa salle à manger, où il prenait ses repas. Il n'a laissé ni titre ni explication, donc la signification est interprétée de diverses manières : Saturne comme le Temps dévorant toutes choses (l'allégorie classique) ; comme l'État espagnol réactionnaire dévorant son propre peuple ; comme la propre peur de Goya de la folie, de la mort et de la mortalité ; ou comme une méditation sur l'appétit et l'obscurité à la racine de l'existence. L'image – le dieu romain Cronos/Saturne fourrant le corps de son propre enfant dans sa bouche, les yeux écarquillés et monstrueux – est l'image la plus horrible de l'art occidental, et son placement sur le mur de la salle à manger lui confère une horreur domestique et intime spécifique : Goya la regardait pendant qu'il mangeait. Diptyque Saturne de DeckArts à partir de ~230 $ (idéal sur des couleurs presque noires). Voir : Goya : Guide complet de Saturne.

Résumé de l'article

Francisco Goya (1746-1828) fait le pont entre les Anciens Maîtres et le monde moderne. Huit faits spécifiques : (1) Né en Aragon, fils d'un doreur ; il est devenu Premier Peintre de Cour de la couronne espagnole (1799), peignant la famille royale avec une honnêteté sans faille (La Famille de Charles IV) ; (2) Une maladie catastrophique (1792-1793, cause jamais établie) l'a rendu profondément sourd vers 46 ans pendant les 35 années restantes — le tournant qui a assombri son art ; (3) Il a produit Los Caprichos (1799), y compris « Le sommeil de la raison produit des monstres » ; (4) Il a documenté les horreurs de la Guerre de la Péninsule dans Les Désastres de la guerre (82 eaux-fortes, non publiées avant 1863) et Le Trois Mai 1808 (une image anti-guerre moderne fondamentale) ; (5) En 1819, il a acheté la Quinta del Sordo (« La Villa du Sourd » — nommée ainsi d'après un précédent propriétaire sourd, par coïncidence) ; (6) Entre ~1819 et 1823, il a peint les 14 Peintures Noires directement sur les murs de la maison — sans public, sans mécène, sans vente ; (7) Saturne dévorant ses enfants était sur le mur de sa salle à manger — le dieu fourrant son propre enfant dans sa bouche, l'image la plus horrible de l'art occidental, où Goya prenait ses repas ; (8) Les Peintures Noires ont été transférées du mur à la toile dans les années 1870 (Baron d'Erlanger, restaurateur Martínez Cubélls), exposées à l'Exposition Universelle de Paris de 1878 (un échec commercial), et sont entrées au Prado en 1881 ; Goya est mort en exil à Bordeaux en 1828. Diptyque Goya Saturne de DeckArts (~230 $) : l'art le plus sombre et le plus psychologiquement extrême de DeckArts, idéal sur des couleurs presque noires, avec son propre espace visuel sérieux. Expédié de Berlin. Retour sous 30 jours.

À propos de l'auteur

Stanislav Arnautov est le fondateur de DeckArts et un directeur artistique ukrainien basé à Berlin.

Guides associés

• Goya : Saturne dévorant ses enfants, guide complet
• Caravage Méduse : Le baroque sombre
• Munch : Le Cri, biographie complète
• Décoration de chambre Dark Academia 2026
• Meilleur art pour les pièces sombres 2026