Japonisme : comment la Grande Vague a changé la peinture européenne et pourquoi le bleu de Prusse a bouclé la boucle depuis Berlin

Dernière mise à jour : mai 2026 · Par Stanislav Arnautov · Berlin

Le japonisme — terme forgé par le critique français Philippe Burty en 1872 — décrit la profonde influence de la culture visuelle japonaise sur la peinture, le design graphique et les arts appliqués européens, approximativement de 1856 (date de l'ouverture du Japon au commerce occidental suite à l'arrivée du commodore Perry en 1853) jusqu'aux environs de 1920. Cette influence ne fut pas une imitation superficielle mais une transformation fondamentale de la composition et du chromatisme : l'avant-garde européenne a puisé dans l'estampe japonaise un ensemble de principes visuels — aplats de couleur sans modelé, lignes d'horizon hautes, composition asymétrique, silhouette comme unité visuelle principale, potentiel expressif du contour — qui ont changé le cours de l'art occidental de manière permanente. DeckArts Berlin reproduit La Grande Vague d'Hokusai sur érable canadien à partir d'environ 140 $.

L'ouverture du Japon : 1853 et le déferlement des estampes en Europe

Le Japon avait maintenu la politique du sakoku (isolement national) de 1635 à 1853, limitant le commerce international au comptoir hollandais de Dejima à Nagasaki. Lorsque l'escadre de la marine américaine du commodore Matthew Perry est arrivée dans la baie d'Edo en juillet 1853 pour exiger des droits commerciaux sous la menace, le gouvernement japonais a capitulé — la convention de Kanagawa (mars 1854) a ouvert les ports japonais aux navires américains, et des traités ultérieurs les ont ouverts aux puissances européennes. Dès 1858, le Japon était ouvert à un commerce international complet.

Les produits japonais — céramiques, laques, textiles de soie, paravents et, surtout, estampes sur bois — ont inondé les marchés européens à partir de la fin des années 1850. Les estampes sur bois, produites en quantités énormes pour le marché intérieur japonais, étaient bon marché, nombreuses et ne ressemblaient en rien à ce que les artistes européens avaient vu jusque-là. Les propriétés visuelles spécifiques des estampes ukiyo-e — zones de couleurs plates sans modelé d'ombre, contours audacieux, compositions asymétriques, ligne d'horizon haute, absence de perspective à point de fuite — étaient à l'opposé de la tradition académique européenne et furent immédiatement reconnues par les peintres européens comme une alternative aux problèmes picturaux qu'ils rencontraient.

Les estampes japonaises de Van Gogh : 400 œuvres, 3 copies directes

Vincent van Gogh a collectionné environ 400 estampes japonaises (aujourd'hui au musée Van Gogh d'Amsterdam) et les a étudiées intensivement pendant sa période parisienne (1886-1888). En 1887, il a réalisé trois copies directes à l'huile d'estampes d'Hiroshige comme exercices de composition : Averse soudaine sur le pont Shin-Ohashi (d'après Hiroshige, musée Van Gogh d'Amsterdam), Le Jardin des pruniers à Kameido (d'après Hiroshige, musée Van Gogh), et une troisième copie. Ces copies à l'huile sont uniques dans l'œuvre de Van Gogh : il copiait régulièrement le travail d'autres artistes comme exercice, mais les copies d'Hiroshige sont les seuls cas où il a adopté non seulement la composition mais aussi la méthode graphique spécifique aux aplats de couleurs et aux contours marqués de la source, plutôt que de la traduire dans son propre style de pinceau.

L'influence du japonisme sur le style mature de Van Gogh ne se limite pas aux copies explicites. Les choix de composition des périodes d'Arles et de Saint-Rémy — le point de vue en contre-plongée des Amandiers en fleurs, la zone de ciel plat de cette même œuvre, l'approche par silhouettes de la série des Cyprès, et la touche rythmée et répétitive que Van Gogh décrit spécifiquement comme héritée du traitement des lignes d'Hokusai dans une lettre à Émile Bernard (1888) — reflètent tous une assimilation durable des principes de l'ukiyo-e dans sa pratique visuelle.

Monet à Giverny : le jardin japonais et les Nymphéas

Claude Monet (Paris, 1840-1926) a acheté une propriété à Giverny en 1883 et y a passé les 43 dernières années de sa vie, transformant le jardin en un programme paysager totalement inspiré du Japon : le pont japonais, le jardin d'eau, les saules pleureurs, les nymphéas. Monet a collectionné environ 200 estampes japonaises, qui sont toujours exposées dans sa maison de Giverny (aujourd'hui ouverte au public sous le nom de Fondation Claude Monet). Ces estampes — d'Hiroshige, Hokusai, Utamaro et d'autres — sont disposées dans plusieurs pièces et représentent l'une des collections d'ukiyo-e les plus importantes du XIXe siècle en Europe.

La série des Nymphéas — les quelque 250 peintures du jardin d'eau de Giverny réalisées par Monet entre 1896 et 1926, aboutissant aux installations panoramiques grand format du musée de l'Orangerie à Paris — est la réalisation occidentale la plus aboutie de l'esthétique des jardins japonais en peinture. La surface plane de l'eau, l'absence de ligne d'horizon, les reflets du ciel dans l'eau et le cadrage fragmentaire des nénuphars et des branches de saule aux bords de la composition sont autant de principes de composition de l'ukiyo-e appliqués à la peinture à l'huile occidentale à une échelle monumentale.

Toulouse-Lautrec et l'affiche à aplats de couleurs : l'ukiyo-e urbain

Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 – Saint-André-du-Bois, 1901) a appliqué les principes graphiques des aplats de couleurs de l'ukiyo-e à la conception d'affiches commerciales — les affiches du Moulin Rouge et d'Aristide Bruant du début des années 1890 comptent parmi les applications formelles les plus directes de l'estampe japonaise dans l'art graphique occidental. Les éléments spécifiques de l'ukiyo-e dans le travail d'affiche de Toulouse-Lautrec : zones de couleurs plates sans dégradé ni modelé ; contour noir audacieux comme élément graphique principal ; ligne d'horizon haute et composition asymétrique héritées d'Hokusai et d'Hiroshige ; et réduction de la figure à une silhouette graphique plutôt qu'à une forme modelée en trois dimensions. Toulouse-Lautrec possédait des estampes japonaises et était documenté comme un visiteur régulier des boutiques parisiennes qui les vendaient à partir des années 1880.

Degas et l'horizon haut : la composition spatiale japonaise

Edgar Degas (Paris, 1834-1917) a collectionné environ 150 estampes japonaises et a appliqué les stratégies de composition spatiale spécifiques de l'ukiyo-e — notamment la ligne d'horizon haute, le placement asymétrique de la figure principale et le cadrage des figures au bord de la composition comme par un appareil photo plutôt que par convention académique — à sa peinture impressionniste. Les séries sur le ballet, celles sur les baigneuses et les peintures de champs de courses utilisent toutes la structure spatiale à horizon haut, asymétrique et aux figures cadrées que Degas a tirée de la composition des estampes japonaises.

Degas a également adopté la pratique de l'ukiyo-e consistant à représenter le corps en mouvement plutôt que dans une pose statique : les maîtres japonais représentaient les acteurs de kabuki, les lutteurs de sumo et les danseurs dans un mouvement arrêté, loin des poses de portrait formelles de la tradition occidentale. Les ballerines et les baigneuses de Degas sont saisies avec la même qualité momentanée, privée et non posée que les figures de l'ukiyo-e — observées plutôt que posées, saisies au vol plutôt que présentées.

La boucle bouclée : du bleu de Prusse de Berlin au Japon, puis à l'Europe

L'histoire du japonisme contient une boucle chromatique remarquable : le pigment qui a permis de réaliser les estampes japonaises les plus célèbres — La Grande Vague d'Hokusai, les paysages d'Hiroshige, la « période bleue » de l'ukiyo-e — était le bleu de Prusse, inventé à Berlin en 1704 par Johann Jacob Diesbach, transporté au Japon via le commerce hollandais vers 1820, utilisé par les graveurs japonais pour les estampes les plus distinctives et les plus exportées, lesquelles ont ensuite inondé l'Europe à partir de 1856 pour influencer l'avant-garde européenne. Les impressionnistes et post-impressionnistes européens transformés par les estampes japonaises étaient influencés par des œuvres fabriquées avec un pigment allemand qui avait quitté l'Europe, avait été adopté par le Japon, et était revenu en Europe intégré dans une tradition visuelle japonaise. Le bleu de Prusse : né à Berlin, mûri au Japon, influent à Paris.

DeckArts produit La Grande Vague d'Hokusai à Berlin — la ville où le bleu de Prusse a été inventé il y a 322 ans, et où il est désormais reproduit avec des encres pigmentaires d'archivage UV sur érable canadien pour les murs des intérieurs contemporains. Le cercle géographique et chromatique est complet.

DeckArts

Hokusai — Diptyque La Grande Vague (~230 $)

Bleu de Prusse : Berlin 1704 → Japon 1820 → Grande Vague 1831 → Japonisme à Paris 1856-1920 → DeckArts Berlin 2026. La boucle est bouclée. À partir de ~230 $ sur érable canadien.

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FAQ

Qu'est-ce que le japonisme dans l'art ?

Le japonisme est le terme (forgé par le critique français Philippe Burty en 1872) désignant l'influence de la culture visuelle japonaise sur l'art européen d'environ 1856 à 1920. Les estampes japonaises sur bois ont inondé les marchés européens après l'ouverture du Japon au commerce en 1853-1858, introduisant les peintres européens à une composition en aplats de couleurs sans modelé d'ombre, à des lignes d'horizon hautes, à des compositions asymétriques et à la silhouette comme unité visuelle primaire. Van Gogh, Monet, Toulouse-Lautrec, Degas et Whistler ont tous été influencés de manière directe et substantielle. DeckArts à partir d'environ 140 $.

Comment l'art japonais a-t-il influencé Van Gogh ?

Van Gogh a collectionné environ 400 estampes japonaises (aujourd'hui au musée Van Gogh d'Amsterdam), a copié directement trois estampes d'Hiroshige à l'huile (1887) et a écrit à Émile Bernard (1888) spécifiquement sur son étude du traitement des lignes d'Hokusai. L'influence du japonisme dans son œuvre mature : composition en contre-plongée pour Les Amandiers en fleurs, zone de ciel plat, approche par silhouette pour les cyprès, touche rythmée et répétitive. Le sujet lui-même (fleurs de cerisier/prunier en contre-plongée sur le ciel) est tiré directement des estampes de la série « Cent vues célèbres d'Edo » d'Hiroshige.

Résumé

Japonisme (Philippe Burty, 1872) : influence visuelle japonaise sur l'art européen 1856-1920 suivant l'ouverture du Japon (Convention de Kanagawa mars 1854, arrivée de Perry en 1853). Principes clés assimilés : couleurs plates sans modelé, ligne d'horizon haute, composition asymétrique, silhouette comme unité principale, contours audacieux, figures cadrées. Van Gogh : ~400 estampes collectionnées, 3 copies directes à l'huile d'Hiroshige (1887, musée Van Gogh), étude des lignes d'Hokusai (lettre à Bernard 1888). Monet : ~200 estampes, jardin japonais de Giverny, série des Nymphéas (~250 œuvres, 1896-1926, Orangerie Paris). Toulouse-Lautrec : affiche en couleurs plates (Moulin Rouge 1891) = principes de l'ukiyo-e appliqués au design graphique commercial. Degas : ~150 estampes, horizon haut, cadrage asymétrique, corps en mouvement non posé. Boucle complète : bleu de Prusse (Berlin 1704) → Japon (~1820) → Grande Vague (1831) → Japonisme à Paris (1856-1920) → DeckArts Berlin (2026). Grande Vague DeckArts à partir de ~140 $ (simple) / ~230 $ (diptyque). Érable canadien. Encre d'archivage UV 100+ ans. Retour sous 30 jours.

À propos de l'auteur

Stanislav Arnautov est le fondateur de DeckArts et directeur artistique originaire d'Ukraine, basé à Berlin.